Tarde para la ira*GOYA

Título original Tarde para la ira

Año                 2016

Duración         92 minutos

País                España

Director          Raúl Arévalo

Guión             David Pulido, Raúl Arévalo

Música           Lucio Godoy

Fotografía      Arnau Valls Colomer

Reparto          Antonio de la Torres, Luis Callejo,

                      Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia

                      Rubio, Raúl Jiménez, Font García

                 

Raúl Arévalo es ese actor joven con una larga carrera de títulos detrás de él. en su película como director, "Tarde para la ira", ha succionado como un vampiro las experiencias vividas con todos  los directores que ha tenido para sacar lo mejor de ellos. Sobre todo trasmitir  con esos primeros planos las sensaciones más naturales de los actores.

Éstos brillan con sus personajes de perdedores de la sociedad, castigados por la casualidad o por la sed de venganza. La frescura de sus papeles le llega de aquellos papeles que pasaban por las terrazas de la ciudad de la mano del director Daniel Sánchez Arévalo (otro Arévalo) en  "AzulOscuroCasiNegro" o apalancarse a Antonio de la Torre de "Primos" y decirle tú sigue el papel, pero sin ser un borracho que deambula sino con el mismo talante de hijoputa que igual te tiras al mar o te tiras a la mujer del hombre que te quieres cepillar a tiros porque si te  tocan a tu familia entrarás en rabia perpetua. Ese actor metido a director que ha trasplantado la mala leche del policía de "La isla mínima" de Alberto Rodríguez en Luis Callejo. Actor que ha pillado la cámara con la intención de hacerlo igual o mejor que sus maestros y supongo que ha llegado para quedarse en posteriores ocasiones porque su dirección es más que notable. Ahí está bien colocado en la parrilla de salida con once nominaciones de las gordas a los Goya: mejor película, mejores actores principales Antonio de la Torre y Luis Calleja,

 mejor actor de reparto, Manolo Solo,

con un papelito de cinco minutos que no tiene desperdicio, director novel, actriz revelación en Ruth Díaz.

No le falta nada por nominar otra cosa será los premios que reciba. La historia se va encabronando a medida que pasa el tiempo y los personajes se van colocando en lo que realmente son: unos resentidos de la vida con ganas de ajustar las cuentas pendientes.

El hombre de las mil caras*GOYA

Título original El hombre de las mil caras

Año                2016

Duración         123 minutos

País                España

Director           Alberto Rodríguez

Guión              Alberto Rodríguez, Rafael Cobos

Música            Julio de la rosa

Fotografía       Álex Catalán

Reparto          Eduard Fernández, José Coronado,

                      Carlos Santos, Marta Etura, Emilio

                      Gutiérrez Caba, Luis Calleja, Tomás

                      del Estal, Isabel Elejalde, Pedro

                      Casablanc, Enric Benavent.

  
La cinta “El hombre de las mil caras” de Alberto Rodriguez consigue darle a la acción una ambientación casi perfecta como ya lo hacía en sus anteriores trabajos

 “Grupo 7”  o en “La isla Mínima” donde la ambientación y el ritmo frenético era su fuerte.

Ahora, se detiene en los hechos acaecidos en dos personajes corruptos de la sociedad española. Muestra con maestría  la vida del chanchullero Paesa ( traficante de armas  en los momentos más calientes de la guerra con E.T.A, o con el G.A.L, no le importa lo más mínimo colocarse de una banda o de otra si detrás hay pasta para pillar, todo ello sucede allá por los noventa del siglo pasado) interpretado por el excelente Eduard Fernández,

el cual se adentra en un personaje con unos rasgos muy marcados: su frialdad, su saber estar en los momentos oportunos con su sabiduría para encandilar o hipnotizar a sus interlocutores para sacarles la pasta sin que apenas se enteren. De la nada, monta un personaje calculador que no se inmuta ante las culpabilidades que le acusan que se escurre cuando lo tienen cercado y que nunca se derrumba, calculador con ese porte de fumador empedernido. Ese personaje que se mueve en el mundo de la diplomacia en el extranjero que hace de mediador con los políticos españoles y los del extranjero que se sitúa en ese mundo del estafador y el estafado y de ahí nunca saldrá. Y el impostor Roldán, interpretado por Carlos Santos

con una puesta en escena blanda y miedosa después de haber sido director de uno de los cuerpos del estado más grande como era entonces Director General  la Guardia Civil, puesto al que llegó con un curriculum de carreras académicas falsas que engañaron a Felipe González, presidente del gobierno por aquella época y que estos altercados acabaron con su carrera política. A su lado, le mantiene de pie su esposa, una Marta Etura

con una fuerza y solvencia que sostenía a aquel hombre derrotado y temeroso. La sociedad corrupta española se muestra ante la pantalla abierta en canal con esta ventana de corrupción que se abre hacia el público. No faltará material para sucesivas cintas si se quiere ahondar en este campo, pues, por desgracia, hay material más que de sobra pendiente de llevar a la pantalla como pueden ser los casos de corrupción política actuales que no es necesario nombrarlos porque es más que conocido y además aburre tener que escribirlos. En fin, lo que más duele es que se habla de personal socialista que en principio debían ser personas implicadas con los más necesitados, pero como se ve solo se preocupan de engordar su propio bolsillo.

Cerca de tu casa*GOYA

Título original Cerca de tu casa

Año                2016

Duración         93 minutos

País                España

Director           Eduard Cortés

Guión              Eduard Cortés, Piti Español

Música             Silvia Pérez Cruz

Fotografía         David Omedes

Reparto             Silvia Pérez Cruz, Oriol Vila, 

                         Lluís Homar, Adriana Ozores,

                         Iván Massagué, Iván Benet

                         Manuel Morón.

Eduard Cortes se estrenó con aquella magnífica película "La vida de nadie" donde( se basa en hechos reales) un José Coronado encarnaba el papel de un cara dura que tenía engañado a todo el mundo que se acercaba por su lado, desde la mujer que lo consideraba un alto ejecutivo del banco, pasando por los amigos que confiaban en sus consejos y le entregaban su dinero para que lo moviera a su antoja ( aunque le servía para ir viviendo sin dar ni golpe y sosteniendo en pie el engaño) hasta la chica que conoce que la miente con la ilusión de una plaza o una beca de estudios por sus influencias falsas. Ahora toca el tema de los desahucios en tono de musical para protestar por la cantidad de familias arrastradas a la calle por no poder pagar la hipoteca contraída por el banco. Hay varios precedentes de musicales protesta, como por ejemplo ahí esta "Hair" de Milos Forman contra la guerra o "Bailar en la oscuridad" de Lars von Trier para mostrar la ceguera de su personaje principal. La película que tratamos “Cerca de tu casa” arranca con un mendigo y acaba con otro mendigo como muestra del destino de estas personas. Y las mismas imágenes, por desgracia, se pueden contemplar en los informativos de las noticias de cada día. La cinta está plagada de buenas actuaciones Silvia Pérez Cruz

como papel principal muestra un realismo de la tristeza y la desesperación; junto con unos secundarios de lujo, los padres tanto Adriana Ozores como Manuel Morón

les pones ahí y ellos solos ya tiran del carro de la profesionalidad;  y no es para menos Lluís Homar

con interpretaciones múltiples a sus espaldas. Así las cosas, el drama musical avanza para contar las calamidades de los afectados por el pinchazo del globo inmobiliario.

Un monstruo viene a verme*GOYA

Quien no ha rezado o invocado a un ser superior cuando su madre no estaba presente en esos años de la adolescencia que uno se siente en un desierto sin su protectora.  Y Connor, el niño protagonizado por Lewis MacDougall en la película "Un monstruo viene a verme" de J.A. Bayona,

 se encomienda a las fantasías de un árbol que le llevará por la senda de la iluminación. Ese camino no es otro que el de los sentimientos. Todo ello con una puesta en escena maravillosa que es difícil no creerte la historia. Esto y los efectos especiales te envuelven de tal manera que te dejan hipnotizado.  Bayona busca la lágrima fácil del espectador. La película está nominada con 12 Goyas que a buen seguro arrasará en los técnicos, pero el resto pasarán de lejos.

Julieta*GOYA

Almodóvar a estas alturas ya se puede considerar como  un clásico del celuloide en vida, pero la lástima está en que sus últimas obras quedan a bastante distancia de sus anteriores: se ven y se olvidan casi al mismo tiempo. Es decir, que si tengo que comentar Julieta, que la he visto hace unos meses, debería verla de nuevo porque apenas me ha quedado poso  de sus escenas y como que no me quedan ganas de verla de nuevo. Es cierto que hay una actuación sobresaliente de Emma Suárez. Y su situación agónica queda muy marcada por perder a una hija. Sin embargo, soy capaz de recordar escenas de sus películas míticas por ejemplo "Qué he hecho para merecer esto" donde la vieja Chus Lampreave ( que por entonces no lo era tanto, estamos hablando de hace 33 años) que recoge leña en la ciudad sin quitarse de encima su estigma de aldeana de pueblo que no quiere darle gaseosa a su yerno porque no lo considera como tal y reniega de él. Su nieto porretas que vomita después de un chute y la esposa una Carmen Maura hasta las trancas de aguantar el machito hispánico. Casi la misma trama en "Volver" donde le da un aire más rural con una Penélope Cruz que construye un papel vigoroso con fuerza para enterrar en la clandestinidad a su marido sin inmutarse ( un Antonio de la Torre vago y desparramado siempre en el sofá con unas cervezas) y salir a flote como si nada hubiera pasado; o la comedia hilarante de "Mujeres al borde de un ataque de nervios" con ese gazpacho envenenado. Julieta Serrano montada en la moto y sus pelos al viento, que persigue a su marido. Ese taxista, Guillermo Montesinos, con una tienda ambulante dentro; por no decir de "Todo sobre mi madre" donde esa madre desesperada, Cecilia Roth, sufre ante la muerte de su hijo y su posterior donación de órganos que perseguirá al receptor porque en éste va algo de su hijo ( quizá emparentado con "21 Gramos" y Sean Penn  que quiere descubrir lo que pasó con su donante, igual, pero a la inversa, eso sí, ésta es posterior); o la mala leche de

Antonio Banderas en "La piel que habito" donde la venganza es cruel y el violador de su hija pasará por el bisturí, pues es doctor, cambiarlo de sexo y encerrarlo en sus habitáculos.

 Así estaríamos un día entero.Entonces te preguntas que si de Julieta no te ha quedado nada en la retina, cuando apenas ha pasado tiempo, no imagino qué pasará cuando medie unos años por medio; por no decir 

"Los amantes pasajeros" película soporífera que de ella solo recuerdo que se desarrollaba la trama dentro de un avión y allí hacían paridas sin parar. En fin, con todo ahí está en la pugna por los Goya.

Otra nominadas:

"El Olivo" de Iciar Bollaín

Anna Castillo

opta como mejor actriz revelación por su papel de defensora de los sentimientos más profundos de la tierra. Un olivo milenario vendido a extranjero es el hilo conductor de las raíces de una tierra. 

Javier Gutierrez como mejor actor de reparto.

"Kiki, el amor se hace" una película de Paco León donde cuenta unas historias frescas para pasar el rato divertido con una 

Candela Peña nominada a mejor actriz de reparto siempre en esa línea de decir las cosas con sencillez, pero plenamente convencida. Y mejor actriz revelación Belén Cuesta.

El día más feliz en la vida de Olli Maki

Título original Hymyilevä mies

Año               2016

Duración        92 minutos 

País               Finlandia

Director          Juho Kuosmanem

Guión             Mikko Myllylahti

Música           Laura Airola, Jooanas Haavisto

Fotografía      Jani-Petteri Passi

Reparto         Jarkko Lahti, Eero Milonoff,

                     Oona Airola, Joonas Saartamo,

                     Olli Mäki, Mika Melender, Raija

                     Mäki, Joanna Aartti, Niklas 

                     Hyvärinen, Pia Andersson. 

"El día más feliz en la vida de Olli Maki" ( premio un Certain Regard en el festival de Cannes de 2017, quizá un título excesivamente largo) de Juho Kuosmanen muestra, por un lado, la vida del boxeador ( Olli Maki encarnado por

Jarkko Lahti) justo los días antes del combate y, por el otro, su vida personal que ha dejado apartada, pero que desea retomarla cuanto antes. Ese lado último más humano convive con la agonía del combate 

( sobre todo la obsesión en bajar de peso, con una balanza de la época, manual, porque está en el peso gallo y debe perder para llegar a pluma si es necesario se quedará en bolas con tal de recuperar esos gramos de menos) y se fija más en otros aspectos como el enamoramiento. Me viene a la memoria el tesón de aquella chica que quería triunfar, Hilary Swank, en "Million Dollar Baby" de Clint Eastwood donde se masticaba la tragedia del final o el famoso "Rocky" donde Sylvester Stallone lleva el drama hasta el ring por medio de unos asaltos interminables en los que el protagonista pasa por momentos de sufrimiento, golpes y sangre hasta reponerse como un héroe. Las historias de boxeo siempre dan mucho juego porque esos chicos de barrios marginales no tienen otras posibilidades de escaparse de la mierda suburbial para subir en la escala social sino es por medio de pegar mamporrazos con sus puños ( son conocidos casos de barbarie como el que realizó Mike Tyson cuando le mordió la oreja a Holyfield en 1997 o casos de caer en la más pura miseria como el "Potro" de Vallecas que acabó en las drogas y en robos y altercados varios). Eso sí, a cambio de  quedar sonados para toda la vida.

 Aquí, se cuenta la vida verídica de Olli un campesino ( la cinta es en blanco y negro quizá para ambientar mejor la época donde discurren los acontecimientos: el verano de 1962) que sube a la fama desde el pueblo ( es panadero de profesión) al mismo tiempo que se le cruzó el enamoramiento que le nubló la vista en esos instantes de concentración.

Al final del túnel

Título original Al final del túnel

Año               2016

Duración        120 minutos

País               Argentina

Director          Rodrigo Grande

Guión              Rodrigo Grande

Música            Lucio Godoy, Federico Jusid

Fotografía       Félix Monti

Reparto           Leonardo Sbaraglia, Clara Lago,

                       Pablo Echarri, Federico Luppi

                      Javier Godino, Walter Donado,

                       Uma Salduende, Daniel Morales

                       Laura Faienza, Sergio Ferreiro,

                       Facundo Nahuel, Cristobal Pinto.

                           

Hay películas que se quedan a medio camino entre el thriller, la aventura amorosa o la intriga. Se quedan encalladas en esa orilla de nadie y sin capacidad de avanzar Pese a que, por un lado, un   excelente actor como 

Leonardo Sbaraglia se esfuerce hasta la extenuación por representar con angustia extrema a un minusválido angustioso arrastrándose por un túnel.  Por otro lado, la madrileña Clara Lago

esforzándose a entonar un dejo argentino que resulta un tanto forzado. Podían haber creado un personaje que viaja a la Argentina y menos retorcimientos impostados del idioma. En cuanto a la trama, la cinta "Al final del túnel" de Rodrigo Grande contiene el metraje tan largo, dos horas, que daba para ahondar en esas vidas turbias tanto de los violentos asaltantes del banco como de los personajes principales, pero esto no ocurre. En fin, la tensión que genera el director te deja frío porque no te llega dentro, no consigue dar con la tecla del amor, la intriga, ni la violencia suficiente como para que te haga saltar de la butaca.

Regreso a Itaca

Título original Retour a Ithaque

Año                2014

Duración        95 minutos

Director          Laurent Cantet

Guión             Leonardo Padura, Laurent Cantet

Fotografía      Diego Dussuel

Reparto         Isabel Santos, Jorge Perugorría,

                     Fernando Hechavarría, Néstor

                    Jiménez, Pedro Julio Díaz ferrán      


Laurent Cantet es un maestro en explotar las situaciones en que se encuentran los protagonistas para darles una autenticidad realista convincente. Así, por ejemplo, en "Recursos humanos" sitúa la cámara en las relaciones generacionales entre padre e hijo dentro de una misma empresa de trabajo con puntos de vista distantes respecto a la manera de actuar frente a ésta, pues ocupan puestos muy diferenciados y uno defenderá a los directivos que quieren disponer de empleados obedientes, mientras que el orto se unirá a los guerreros sindicalistas o (1) "La clase" ( Palma de Oro en Cannes 2008) donde un profesor deberá luchar a fondo si quiere doblegar a unos alumnos conflictivos. la lucha humano por conseguir la razón personal siempre está presente en sus cintas. En "Regreso a Itaca" vuelve a mostrar ese aspecto humano de confrontación de posiciones dispares o adversas, pero en un ambiente muy diferente:

una azotea en la Habana frente al Malecón. La reunión de cuatro amigos ( más Jorge Perugorría

que incendiará la conversación con su porte chulesco y de sobrado, pero en el fondo un amargado de la vida) porque ha vuelto un colega que marchó al extranjero hace muchos años y todo ello provoca que asomen trapos sucios de comportamientos dispares. El recuerdo les lleva a navegar  por una vida de fracaso o al menos en su declive, casi acabada. Aquello que empieza con alegría  y buen rollo se va encabronando hasta límites insospechados.

Toni Erdmann

Título original Toni Erdmann

Año                2016

Duración         162 minutos

País                Alemania

Director           Maren Ade

Fotografía       Patrick Orth

Reparto          Peter Simonischek, Sandra Hüller,

                      Lucy Russell, Trystan Pütter,

                      Hadewych Minis, Vlad Ivanov, 

                      Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo 

                     Wimmer, Cosmin Padureanu,

                     Anna María Bergold, Radu 

                    Banzaru, Alexandra Papadopol,

                    Salva Lolov, Jürg Löw.

                      
Hace mucho tiempo que no me detenía tanto en un cartel de una película. No cabe duda que son reclamos, pero en este caso con "Toni Erdman" ( llega cargada de premios y nominaciones, no es de extrañar que gane el Óscar 2017 a la mejor película extranjera) de Maren Ade me ocurría, antes de ver la cinta, que no adivinaba a entender de qué se trataba. Ahora lo tengo más claro: refleja el desprendimiento de un cúmulo de incomprensión y de distanciamiento entre una hija y un padre, pero para llegar ahí hay que verla. La imagen sin ver la película te puede parecer una chorrada, incluso no entender nada de lo que muestra, pero hay que llegar hasta el final para darse cuenta de la importancia de recuperar la esencia de una relación enquistada entre padre e hija plasmada en una imagen. 

En ocasiones, estas relaciones son frías, distantes yo diría más que heladas, congeladas o mejor dicho: nulas. Se podría decir que viven en mundos diferentes, sin importarse el uno del otro: auténticos desconocidos.  Por mucho que se lleven bien, pero esa sensación de alejamiento se encuentra en cada relación, en cada conversación. La distancia no la marca el puesto de trabajo alejado,en este caso Rumanía, sino la frialdad humana que pulula constantemente en las vidas de los dos personajes principales y supongo que refleja en muchos casos esa realidad de muchos padres e hijos. La trama pasa por un padre cachondo, Peter Simonischek,

 el cual se hace pasar por un  personaje de ficción ( con una peluca,unos dientes postizos y unas cuantas chorradas dichas fuera de tono) con el único propósito de llamar la atención para recuperar una relación. Ese personaje se llama Toni Erdmann.

 que muestra un comportamiento grosero grosero y deleznable, que, inicialmente, levanta la suspicacia y el rechazo inicial de la hija, Sandra Hüller,

pero, posteriormente, supondrá una toma de conciencia con respecto a una relación fría. Esa relación enquistada está más cerca de una máquina que de una persona, metida  como está en sus trapicheos laborales sin importarle otra forma de contemplar la vida. En fin, una cinta que te saltan las lágrimas y la risa al mismo tiempo.

Magical Girl

Título Original    Margical Girl

Año                     2014

Duración            127 minutos

País                     España

Director               Carlos Vermut

Guión                  Carlos Vermut

Fotografía           Santiago Recaj

Reparto              Luis Bermejo, Bárbara Lennie, José Sacristán,

                           Israel Errejalde, Lucía Pollán, Alberto Chaves,

                           Teresa Soria Ruano, Miquel Insúa, Elisabet Gelabert 

"Magical Girl" de Carlos Vermut ( Concha de Oro del festival de San Sebastián 2014 ) explora los mecanismos humanos como si de un rompecabezas se tratara. La película cuenta tres historias que se van relacionando entre sí. Están enlazadas por casualidades del destino, pero con rincones oscuros que el espectador se verá sorprendido ante situaciones extrañas, pero,¿ acaso el ser humano no es retorcido? Conectada en parte con el cine de Haneke de situaciones rocambolescas que se van encabronando conforme pasa el metraje y  desembocarán en un trauma. Y  por qué no emparentadas con las cintas de  Iñárritu como en "Babel" o "21 Gramos". Donde las historias y los personajes  se van enlazando a medida que avanza la acción. Son las tres vidas de los personajes, las cuales están conectadas por un interés personal que funciona como hilo conductor de la trama. Al mismo tiempo, se van enredando a medida que no se consiguen sus deseos para acabar en un drama social tal y como puede suceder en la vida.