"La Chimera" de Alice Rohrwacher ( directora de aquella excelente película "Lazzaro feliz", leyenda de la bondad de un tipo que se aproxima a una especie de santo terrenal) se inicia siguiendo a un tipo, Arthur, interpretado por Josh O'connor, montado en el tren con pocos modales cuando lo increpan.
Así, no aguanta y suelta un sopapo a un vendedor ambulante. Se dirige a un pueblo donde le esperan con jolgorio los amigos, pero rehúye de ellos. Llega a una casa adosada a un precipicio que más bien parece una chabola.
Allí solo hay basura y poco más. Posteriormente se acerca a una especie de castillo decrépito y medio en ruinas. Pide por la señora que lo trata como a un rey, pero pronto aparecen las hijas, una multitud de chicas que intentan increpar al chico y a la madre. Desconocemos la procedencia ni los motivos que le han llevado a marchar y a volver. La ambientación trasmite un sabor a Fellini o a Pasolini que son palabras mayores. Posteriormente, sabemos que se dedica al expolio de tumbas de la antigüedad para venderlas al mafioso de turno. No tienen escrúpulo alguno en reventar la cabeza de una figura legendaria si con ello sacan una buena tajada. En definitiva, muestra imágenes realistas de la marginalidad de esos seres que buscan en tumbas con sus propias manos. Aunque el tema sea poco atractivo, está contado con imágenes y una delicadeza especial. Eso sí, se puede interpretar dependiendo de cada espectador.
"A fuego lento" de Tran Anh Hung ( mejor dirección en el festival de Cannes 2023, dejando de lado "Anatomía de una caída" y confiaban que la seleccionaran para los Óscar, pero se precipitó en el olvido por el camino) prima ante todo el espectáculo de la cocina, por eso, entre fogones se cuece el amor también a fuego lento.
Las primeras imágenes muestran como la protagonista, interpretada por Juliette Binoche, recoge directamente su producto del campo: verduras que cortará y condimentará con mimo. Eso sí, antes de empezar la faena, se zamparán, ella y su enamorado, un bien festín de desayuno: ventresca de pescado cocinada con tortilla. Aquí la importancia y el espectáculo está en la preparación meticulosa de los alimentos. El proceso es largo y los sonidos intensos. No importa tanto la relación entre los dos, ni el parentesco de la pareja. Vemos que él, interpretado por Benoit Magimel, ostenta el cargo de señor de una masía un tanto barroca del siglo XIX.
Los actores principales son las tomas que se hacen a las verduras, los pescados y la carne en ese proceso minucioso de preparación. Evidentemente las manos pringadas de harina que remueve la carne y realiza el preparado delicioso para los comensales. Así, las personas son secundarios. Se manejan con soltura en los tiempos de cocción y preparación. Ambientada en los fogones de la época con hornos de leña, bien merece la pena probar todos los platos que prepara con sumo cuidado la cocinera perfecta, Eugene, que con mimo lleva y trae cacerolas, mueve y corta pescado o carne con sumo cuidado.
Ella está enamorada del señor para quien trabaja, Dodin, que tiembla de miedo en el momento en que ve desfallecer a su amor por no se sabe qué enfermedad. En definitiva, un amor idílico de muchos años que será ensombrecido por culpa de la pasión por la cocina.
"Cómo tener relaciones sexuales" de la directora Molly Manning Walker ( ganadora de la sección Un Certain Regard en el festival de Cannes 2023) plantea la problemática del desmadre adolescente en las farras de verano en el extranjero. Las agencias de viajes montan paquetes de viajes especiales, a precios irrisorios, con la seguridad de diversión, para consumir droga, alcohol y sexo. No importará que sean menores, que les afecte una relación inicial sin estar demasiado preparadas. Así, aparcados los exámenes finales del curso, ya no importará mucho los suspensos, es hora de la locura colectiva. Tres adolescentes
( Tara, Mia McKenna; Skye, Lara Peake; Em, Enva Lewis) se meten en la boca del lobo sin contemplación. La idea principal de estas tres jóvenes es la de tirarse a un tío a toda costa, aunque esa acción sea la experiencia de lo más deleznable que puedan tener. Por lo tanto, pasárselo bien es mamar alcohol hasta caer tumbadas en la cama, derrotadas del baile, y borrachuzas perdidas. Los resultados aparecen en esa calle repleta de bares con el suelo lleno de latas y meadas por todas las esquinas. Parece un lugar en el desierto hecho expresamente para eso: las locuras de los jóvenes hasta llegar al coma etílico si hace falta.
Las ilusiones de obtener una relación sexual explosiva se quedan en nada. En fin, resulta patético que se relacionen o logren obtener su primera relación sexual a partir de borracheras sin fin, de colocones que no saben ni dónde se encuentran. Eso no será lo que ellas esperan, sino una decepción absoluta.
"La zona de interés" ( Premio de Jurado en el festival de Cannes 2023 y varias nominaciones a los Óscar del mismo año) de Jonathan Glazer se inicia con una propuesta de intenciones como estimular la mente del espectador para que llegue más allá de las imágenes que está contemplando ( cuando ya se sabe la trama, evidentemente). El hilo conductor de la película es la estrategia y vida del comandante Rudolf Franz Ferdinand Hoss, interpretado por Chistian Friedel,
responsable del campo de concentración de Austchwutz en Polonia y de la maquinaria ( horno crematorio masivo de humanos para más pistas) de exterminio de los judíos. Sería ejecutado en la horca en 1947 después de los juicios de Nuremberg. En ese momento, años antes hace una vida junto a su esposa, interpretado por Sandra Hüller,
( la misma de "Anatomía de una caída" de Justine Triet o aquella excelente película "Toni Erdmann" de Mare Ade) como si se tratara del más santo del Universo y padre ejemplar. Su esposa que vive por y para su familia, sin importarle la esclavitud de sus criados que le rodea que maltrata y da órdenes autoritarias. Quería esta vida de opulencia y bienestar y ahora cuando vienen mal dadas, por un traslado de su marido, no la soltará tan fácil. A las primeras de cambio, el título aparece en primera instancia con un fondo negro que desaparece dejando cuatro minutos ahí en la oscuridad. Como ya sabemos de qué va imaginamos que salimos del túnel donde se encuentran los prisioneros judíos de la segunda Guerra Mundial que están en un campo de concentración, justo al lado, pared por pared, en espera de ser exterminados. Así, el director propone al espectador un juego más macabro, pues mostrar las masacres a carne viva ya está muy visto, pero se puede realizar desde otro punto de vista con símbolos, por ejemplo, en la casa palacio del comandante donde todo es felicidad y armonía, el silencio nocturno queda alterado, de vez en cuando, por los gritos y disparos que nos lleven a esa masacre y maltrato que sale de la parta colindante al palacio. Allí, sobresale una gran chimenea bestial con el humo de los recién incinerados o se oyen comentarios entre las mujeres de los oficiales reunidas para tomar el té: "qué hizo". "Peleaba por una manzana y acabó ahogado en el río". Esa forma de vivir al margen de una carnicería humana que sucede a unos metros de la residencia nazi genera pavor en el espectador. No es necesario ni una imagen del otro lado, pues ya se encuentra almacenada en el cerebro del espectador y tirar de ella hace mucho más daño que verlas. En esa zona residencial de las familias nazis que están en un plano idílico, bañándose con sus hijos y de pícnic, las familias viven con una venda en los ojos. Así pues, no mostrar el genocidio directamente, sino con la sutileza del bienestar de los nazis es quizá más dramático y cruel.
Ese paisaje idílico donde reina la felicidad está al lado de la miseria y la muerte. Así pues, sin saber nada de todo lo que hay detrás, el inicio supone un día de fiesta en el campo con los niños. No se sabe dónde se encuentran hasta que por la noche, mientras duermen, se oyen gritos, pero ni se inmutan. Por la mañana, aparece el padre vestido con uniforme nazi. Pero sabemos que esos privilegiados son unos asesinos manipulados por el mayor asesino de la historia. Aquí, sin tener conocimiento alguna de qué va la trama, ya empieza a dar pistas de la profesión, pero la vida discurre con normalidad: los niños van a la escuela y la madre se queda con el bebé, mientras el padre va a realizar las tareas encomendadas: perfeccionar la máquina de matar judíos, cuantos más mejor. Todo sale a la luz en el momento en que hay una reunión con el arquitecto encargado de construir el recinto crematorio que quemará en una tacada a mil grados de temperatura a casi quinientos judíos a la vez.
Esos que están ahí al lado y que urge quitárselos de en medio cuanto antes. Mientras las esposas toman el café en la sala de al lado hablando de sus chorradas. En ocasiones vuelve ese fondo ahora rosa de silencio de homenaje a las personas asesinadas. En definitiva, es otra manera de ver el genocidio sin las masacres a la vista del espectador, pero con el cinismo de aquellos que los asesinaron.
"Días perfectos" ( quizá tome su nombre de la canción de Lou Reed) de Win Wenders ( aquel director de "París Texas" de los años ochenta) quiere mostrar la vida de un japonés cualquiera que hace una vida rutinaria. Pasa la barrera de lo cotidiano y anodino, y contacta con el resto de mortales, porque todo quisque se pueden ver reflejados en esa vida rutinaria. Es el espejo de millones de personas de hábitos similares y que se pasea por la pantalla. Allí se refleja el currito que se despierta todavía anochecido, recoge su cama y se limpia los dientes. No tiene despertador, pero vemos que esa escoba que barre la calle cada día cuando todavía no ha amanecido, es la que lo despierta para iniciar el ritual.
El tipo, interpretado por Koji Yakusho, mejor actor en el festival de Cannes 2023, se sube a su furgoneta e introduce su casete de música selecta en el reproductor:"The house of rising sun" de The animals; "The dock of the bay" de Otis Reding; "Sunny Affterson" de The Kinks; "Brown Eyed Girl" Van Morrison. Esto, mientras dura el trayecto de su casa al trabajo, durante diferentes días suena la música. Cuando llega, suenan las herramientas y las llaves de su mano destino al curro: encargado de mantenimiento de baños públicos. Su quehacer es prácticamente invisible para el resto de los mortales. Los días van sucediendo con las mismas situaciones, pero la cámara lo capta desde diferentes aristas. Son momentos filmados con tomas diferentes que muestran, al mismo tiempo un carácter diferenciador junto al personaje, pues es capaz de realizar el trabajo monótono y ser feliz con su vida anodina. Parece, en parte, "Atrapado en el tiempo" de Harold Ramis donde un Bill Murray japonés contempla los días apaciblemente dentro de su mono de trabajo y sus herramientas a cuestas. Sin embargo, siempre encontrará un motivo diferente por el cual alegrarse, desde una planta para su colección junto a la ventana hasta el descubrimiento de una nueva lectura. Así está hasta que aparece su sobrina que huye de su madre, hermana del tipo en cuestión, porque ya no la aguanta más.
Con su sobrina tiene mucha delicadeza y cuando le pregunta que vive diferente a su madre, el tío asevera: "este mundo, el de la ciudad, está hecho de infinidad de mundos. Mi mundo y el mundo de tu madre son muy diferentes". Nunca se altera ni critica la forma de vivir de nadie. Todo discurre alrededor de la torre de comunicación más alta de Tokio "Tokyo Skytree" en el barrio de Sumida que lo recorre el río con el mismo nombre. En fin, a partir de ahora cuando visitemos unos lavabos que están brillantes vendrá a la memoria este señor tan particular y para que se encuentren así, hace falta que esas manos delicadas y un cuerpo con agallas sea capaz de enfrentarse a las guarradas que se dejan a sus pies.
El cine de Aki Kaurismäki, "Hojas caídas" ( Fallen Leaves), premio del Jurado en el Festival de Cannes 2023, no es la alegría de la huerta, pues mostrará lo más turbio y cutre que encuentre a mano. Ya sabemos, por sus anteriores películas ( "El otro lado de la esperanza", "El Havre", "Un hombre sin pasado", casi siempre consigue premios) que se centrará en unos personajes marginales, con una vida rutinaria. El director quiere reflejar la miseria en ese país, Finlandia, uno de los mejores del mundo en calidad de vida ( educación, sanidad, calidad del aire, etc.), pero no está exenta de cierto personal con problemas existenciales. Así, por ejemplo, presenta a uno de sus personajes, Ansa, que vive en Helsinki, interpretado por
Alma Pöysti, realizando tareas en un supermercado y no es nada feliz. Coloca los productos en las estanterías bajo la visión de un vigilante gorila por si quiere llevarse algún producto para comer en su casa. Luego llega a un barrio periférico de Helsinki donde está su residencia y se hace algo rápido en el microondas que enseguida lo tira a la basura, porque debe ser un producto caducado que ha hurtado del supermercado donde trabaja. Apenas hay diálogos, pero las imágenes ya nos llevan a una desolación del ser humano. Otros personajes viven en contenedores que son viviendas con unas taquillas como armario y espejos rotos para mirarse y la radio va soltando noticias de la última guerra que ha explotado en el mundo. Eso ocurre en el lugar donde está Holappa, interpretado por
Jussi Vatanen, que sale de su tristeza metiéndose unos lingotazos de alcohol. Es la única forma de desconectar de su miserable vida. Son noticias de fondo de las bombas que caen y se llevan a un montón de muertos y se oye como se oiría una melodía musical. Sin importar lo más mínimo la cantidad de fallecidos diarios. Igual piensan que a ellos les iría mejor si les cayera encima una de esas bombas, pues ya no descansaría sobre ese cojín cochambroso.
Es viernes y toca salir a emborracharse. Esas dos sombras humanas parapetadas en sus cuevas se encontrarán en el camino. Intentarán romper la frialdad y encontrar un resquicio por donde entre el amor, un poquito de contacto humano. En definitiva, los lugares cutres que se muestran estarían en cualquier lugar de otros países. Son siniestros y miserables, de otra época, atemporal, pero no es así, porque suenan los cañones de la guerra de Croacia/Rusia por todos los lados que nos arrastran a una realidad actual y cruda.
"Los delincuentes" de Rodrigo Moreno ( también guionista) se inicia con el recorrido de un personaje Morán ( todos los personajes que aparecen utilizan las mismas letras y combinan en anagrama: Roman, interpretada por
Esteban Bliguiardi, Norma, interpretada por Laura Paredes. Ramón interpretado por Daniel Elías
que se ve como realizan las tareas diarias, anodinas. Desde el inicio, parece que marca el ritmo en tiempo real, y vemos minuciosamente como ese personaje realiza las funciones rutinarias del día a día: levantarse, tomar el café, desplazarse hacia el trabajo. El traje con corbata le espera colocado en la silla. De entrada es una visión de la ropa vacía sin más con la espera de llenarse para echarse a la calle con rutina diaria. Todo ello se mueve a ritmo de tango, no en vano estamos en Buenos Aires ( por cierto, la naturalidad de la vida que fluye en la ciudad, también es un componente que le da cierta veracidad, porque se mueven en ese ambiente de los bares y asoma como un protagonista más: el bullicio, la comida en la barra del bar, las calles repletas). Esas primeras tomas de ir al curro ya indica que el tipo tiene una vida vacía, sin futuro. Así, ese individuo llega a su trabajo, es empleado de un banco, y la historia sigue ese hacer de los trabajadores y sus problemas. Salidas a la calle para fumar puesto que en lugar de trabajo está prohibido y allí asoman las charlas banales intranscendentales.
Aquí es donde empieza la trama: acabar con esa porquería de rutina se consigue por medio de pegar un golpe y llevarse la pasta del banco. El ladrón roba sin importarle que las cámaras lo graben, tres años de trena y a la calle. Pero todo no será tan ligero, porque dentro, Garrincha, el capo de la trena lo amenazará para que le pase su ración de pasta. Antes de entrar tras las rejas, busca un cómplice que guarde la bolsa con el dinero y a la salida ya repartirán. La película es parca en palabras. En fin, puede parecer un tostón de aupa, anodina como la vida misma de los personajes o, por el contrario, una buena cinta. Por eso, tienes las dos opciones: abandonar a las primeras de cambio o recrearte hasta el último minuto.
"Anatomía de una caída" de Justine Trier, Palma de Oro en el festiva de Cannes 2023 ( aparte de las múltiples nominaciones posteriores en los Globos, Óscar y demás) se centra en una caída sospechosa y posterior muerte del marido de una familia desde la buhardilla de su casa de montaña con una mujer como primera culpable y un hijo ciego que será el drama familiar. Se inicia sin ver al tipo, pero parece que andaba con unas herramientas arreglando algún desperfecto de la casa de madera de montaña. Todo indica que es un accidente, sin embargo los médicos forenses ven posibilidades de actuación de terceros y dejan en el aire la posibilidad de un asesinato, porque el golpe de la cabeza no estaba en la posición del impacto con el suelo. Se abren posibilidades de que la mujer, interpretado por Sandra Hüller,
nominada a los Globos de Oro 2024. (Es aquella actriz con un trabajo asfixiante de directiva en una multinacional importante que no le deja disfrutar de su vida personal en la cinta "Toni Erdmann" de Maren Ade y su padre interpretado por Peter Simonischek, por medio de payasadas, la sigue e intenta alegrarle la vida, aunque con ello la incordie y le rompa de lleno esa vida agobiante que es lo que pretende en definitiva) tenga implicaciones directas en la caída. La esposa es una escritora y, en ese momento, está reunida con una estudiante. Mientras en la zona de arriba, es una casa de dos pisos, la música suena alta demasiado ruidosa como para molestar esa visita. Posteriormente se produce la desgracia desde la ventana y la cámara recorre el lugar donde se encontraba señalando las herramientas de bricolaje.
La trama se detiene en todas las pistas que pueden dejar de implicar a la esposa con una acusación de asesinato. Por lo tanto, el abogado junto a ella intentan negar cualquier acusación en el juicio posterior. Es decir, si durante la caída no había nadie más en la casa, es la principal sospechosa en el caso de que, por ciertas pistas, se le acuse de asesinato. Por momentos, parece que asistamos a la obra maestra de "Doce hombres sin piedad" de Sidney Lumet donde Henri Fonda sacaba pruebas de la chistera con tal de convencer al resto del jurado de que estaba de acuerdo en culpar al asesino. La historia se abre en pequeñas ramificaciones de tramas que afectan a la pareja: desde aspectos profesionales hasta la relación sexual. Todo asoma como arma arrojadiza entre los dos mediante un juicio muy largo. En fin, la cinta circula por las pistas que impliquen o liberen a su esposa del muerto. Por lo tanto, se descubren minuciosamente los detalles del suceso y con ello se arrastra el enfrentamiento del matrimonio y las diferencias que tenían en su relación, pero, sobre todo, la culpa de la ceguera del hijo que los persigue y los derriba sin piedad.
