"Más que nunca" de Emily Atef bucea en las tripas de ese personaje deprimido, Helene, interpretado por Vicki Krieps,
que se siente tratada de una manera especial por culpa de su situación. Ella no quiere asistir a una fiesta, porque allí seguro que habrá alegría y diversión, pero lleva por dentro, metida en su cabeza, la fatalidad de una enfermedad extraña en los pulmones y no quiere asistir al jolgorio cuando está a las puertas de irse al otro barrio. No tiene ganas de vestirse, porque se encuentra apática, pero su compañero insiste a que asista para que se anime. En la fiesta, los amigos muestran hacia ella una cordialidad un tanto especial, porque hacía tiempo que no la veían y las preguntas o la sociabilización entre ellos se hace con cautela. Sin embargo, ella no puede aguantar más y explota ante las preguntas estúpidas de turno que si ahora ya no trabaja, te veo bien y cuánto tiempo que no te veo. Toda una cordialidad postiza repugnante. Además, ve esa alegría en las parejas por el nuevo ser que va a llegar y la explosión de felicidad, en cambio confiesa que la dejen en paz que le parece muy bien el contento de un nuevo hijo, pero que ha venido forzada y se siente en otra dimensión, pues ya se puede morir ahora. Poco menos que los manda a paseo con tantos mimos hacia su persona. Las dudas aparecen con su marido, interpretado por Gaspard Ulliel,
que se muestra contento ante la posibilidad de un trasplante de pulmón. Él no acaba de saber cómo debe enfrentarse ante el problema, porque siempre acaba en bronca y mal rollo.
En definitiva, la cinta plantea la necesidad que tiene la persona de desconectar de la enfermedad, de todo y salir adelante ella sola sin pamplinas añadidas. No quiere bajo ningún concepto esperar a la muerte, en cualquier caso buscarla ella misma alejándose de los suyos.
"La Chimera" de Alice Rohrwacher ( directora de aquella excelente película "Lazzaro feliz", leyenda de la bondad de un tipo que se aproxima a una especie de santo terrenal) se inicia siguiendo a un tipo, Arthur, interpretado por Josh O'connor, montado en el tren con pocos modales cuando lo increpan.
Así, no aguanta y suelta un sopapo a un vendedor ambulante. Se dirige a un pueblo donde le esperan con jolgorio los amigos, pero rehúye de ellos. Llega a una casa adosada a un precipicio que más bien parece una chabola.
Allí solo hay basura y poco más. Posteriormente se acerca a una especie de castillo decrépito y medio en ruinas. Pide por la señora que lo trata como a un rey, pero pronto aparecen las hijas, una multitud de chicas que intentan increpar al chico y a la madre. Desconocemos la procedencia ni los motivos que le han llevado a marchar y a volver. La ambientación trasmite un sabor a Fellini o a Pasolini que son palabras mayores. Posteriormente, sabemos que se dedica al expolio de tumbas de la antigüedad para venderlas al mafioso de turno. No tienen escrúpulo alguno en reventar la cabeza de una figura legendaria si con ello sacan una buena tajada. En definitiva, muestra imágenes realistas de la marginalidad de esos seres que buscan en tumbas con sus propias manos. Aunque el tema sea poco atractivo, está contado con imágenes y una delicadeza especial. Eso sí, se puede interpretar dependiendo de cada espectador.
"Destello bravío" de Ainhoa Rodríguez muestra un retrato de la España profunda deshabitada. Allí, impera el abandono, la soledad. En esos lugares remotos habitan siempre las mismas caras conocidas que se hacen extrañas, perversas, maliciosa. El murmurar de uno y de otro va de boca en boca sin control sin apenas entender lo que dicen, pero interpreta con claridad las intenciones.
Caretos donde se ve amontonado el paso del tiempo, el trabajo duro, el sol, la tierra; todo ello se amontona en esos rostros que recoge la cámara. El vestuario de siempre resalta en el domicilio con la ambientación de la casa con fotos de antes y visillos hechos a mano para embellecer las cantoneras de los estantes o las ventanas. Calles solitarias, ladridos de perros donde antes, un día lejano, había bullicio de niños, personas vida, ahora nada. El elenco de actores no profesionalesestán cargados de ese poso de tradiciones antiguas, costumbres religiosas para guardarse un sitio en el más allá de la Tierra.
Hay momentos en que parece que estemos en otro capítulo de "Carmina o reviente" de Paco León, salvando las diferencias, pero con mayor naturalidad. En otros momentos recuerda el cine del austriaco Ulrich Seidl. Aquí entra todo: la religiosidad casposa, la droga, el sexo, la ancianidad. Finalmente, la soledad es una realidad que hace que los personajes busquen una salida irreal a sus propias vidas.
"A fuego lento" de Tran Anh Hung ( mejor dirección en el festival de Cannes 2023, dejando de lado "Anatomía de una caída" y confiaban que la seleccionaran para los Óscar, pero se precipitó en el olvido por el camino) prima ante todo el espectáculo de la cocina, por eso, entre fogones se cuece el amor también a fuego lento.
Las primeras imágenes muestran como la protagonista, interpretada por Juliette Binoche, recoge directamente su producto del campo: verduras que cortará y condimentará con mimo. Eso sí, antes de empezar la faena, se zamparán, ella y su enamorado, un bien festín de desayuno: ventresca de pescado cocinada con tortilla. Aquí la importancia y el espectáculo está en la preparación meticulosa de los alimentos. El proceso es largo y los sonidos intensos. No importa tanto la relación entre los dos, ni el parentesco de la pareja. Vemos que él, interpretado por Benoit Magimel, ostenta el cargo de señor de una masía un tanto barroca del siglo XIX.
Los actores principales son las tomas que se hacen a las verduras, los pescados y la carne en ese proceso minucioso de preparación. Evidentemente las manos pringadas de harina que remueve la carne y realiza el preparado delicioso para los comensales. Así, las personas son secundarios. Se manejan con soltura en los tiempos de cocción y preparación. Ambientada en los fogones de la época con hornos de leña, bien merece la pena probar todos los platos que prepara con sumo cuidado la cocinera perfecta, Eugene, que con mimo lleva y trae cacerolas, mueve y corta pescado o carne con sumo cuidado.
Ella está enamorada del señor para quien trabaja, Dodin, que tiembla de miedo en el momento en que ve desfallecer a su amor por no se sabe qué enfermedad. En definitiva, un amor idílico de muchos años que será ensombrecido por culpa de la pasión por la cocina.
"Godland" de Hlynur Palmason cuenta la aventura de un sacerdote para construir una iglesia. Así es como se inicia la la acción. Hay una conversación entre el sacerdote anciano y otro joven, Lucas, encarnado por
Elliott Grosset Hove, y le aconseja que ese viaje a una tierra lejana no será nada especial. Tendrá a su disposición el mejor guía, interpretado por
Ingvar Eggert Sigurdsson, que, sin embargo, resulta ser su opuesto, encarnado enemigo. Los dos mantienen una disputa a muerte. No sabemos nada del pasado del cura, puede que haya una promesa de por medio o condenar algunas penas o pecados del religioso. Sin embargo, por la locura de marcha que emprenden consideramos que hay un sentido más allá de lo místico. Da la sensación que pretende limpiar la carne del pecado y lograr una cierta purificación a partir del paisaje. La historia dice, en su inicio, que todo se basa en unas fotos que aparecieron en ese recorrido y para darle veracidad con éstas, se rueda con un formato de bordes redondeados, lo mismo que en "Jauja" de Lisandro Alonso, formato1,333, algo parecido al super 8. Todo se desarrolla en Islandia a finales del siglo XIX, momentos en que ese país forma parte de Dinamarca.
Estamos ante una especie de odisea frente a la madre naturaleza donde la mitad de la película están recorriendo el país como en una expedición sin fin por conocer la tierra madre. Emula a las películas de conquistadores como "Aguirre o la cólera de Dios" de Herzog, quizá también "La misión" de Roland Goffé por el fanatismo que lleva la obsesión retorcida de limpiar el alma. En fin, el estado de la vida y las cosas pasan por delante de la cámara con suma lentitud. Los ríos, la bruma, la lava, la forma de vida, todo ello se recoge con un cuidado meticuloso.
"Alma viva" de Cristela Alves Meira repasa la vida rural de un pueblo de Portugal a partir de la mirada de una niña, Salomé, interpretado por Lua Michel.
Arranca un tanto temerosa, pero hay que dejarle un espacio hasta que asoman las garras de la familia. Todo parece tranquilo en un pueblo cualquiera donde cada persona conoce hasta el último detalle del otro. Por eso, mover un dedo o un paso sin que se entere el vecino de al lado y no sea criticado es imposible. Por ejemplo, se produce una muerte de una anciana y alrededor se genera un aura de mal rollo increíble: riñas entre los familiares por ver quién de la familia ha hecho más por la anciana, quien pagará esto o aquello. El entierro sucede en casa donde los vecinos del pueblo pasan ante el féretro. Ante ese panorama, asoman los enemigos de la difunta que sacarán sus garras ahora que ya no puede contestarles " que si le quitó su novio". Todo ello se ve a través de los ojos de una niña que no entiende nada de lo que sucede a su alrededor.
La niña vive al margen de las rencillas ( su recorrido marcará la forma de vida de ese pueblo: la pesca con dinamita en un río y la recolecta de peces muertos en la corriente) hasta que sucede la muerte que le afecta directamente. Es verano y como en muchos pueblos se suceden las fiestas y los bailes. Ese hecho terrible, la muerte de su abuela, cambiará el carácter de la niña, pues no acaba de saber el motivo y cómo comportarse ante tal trauma. Aparecen rencillas y peleas entre vecinos en momentos críticos. El propio Luis García Berlanga podría haber rodado algunas escenas de esta película. Es curioso el plano final con las montañas idílicas después de ver la deshumanización del personal que habita en ese lugar. En fin, todo se mueve en torno a ese lugar descuidado donde se amontonan platos sucios y Salomé, la muchacha, debe esquivar o convivir en medio del caos.
"Un amor" de Isabel Coixet ( de la novela de Sara Mesa ) de inicio se introduce en la soledad que lleva a cuestas el personaje de la protagonista, Nat,
interpretado por Laia Costa ( encasillada en papeles dramáticos "Cinco lobitos" de Alauda Ruíz de Azúa, madre primeriza que le viene grande enfrentarse sola a un bebé recién nacido; "El maestro que prometió el mar" de Patricia Font, en la búsqueda de un antepasado asesinado por los soldados del bando nacional; "Els encantas" de Elena Trapé que busca un lugar alejado de la ciudad donde pueda encontrar tranquilidad y sosiego, en parte, muy parecida a la que nos ocupa). Así, se inicia en ese momento de la llegada a un pueblo donde los sonidos del campo la desvelan del sueño de tal manera que no acaba de encontrarse bien. A las primeras de cambio ya tiene bronca con el arrendatario,
interpretado por Luis Bermejo, que se queja de que la casa está demasiado sucia, a lo cual le responde, con muy pocos modales, que ya lo sabía y que aquello no es una casa rural, además le bajó dos veces el precio. Esa casa es una auténtica ruina y a las primeras de cambio, cuando llueve, hay unos goterones que parece un barco a la deriva. No puede achicar el agua y la bronca nueva con el casero no le servirá de nada y le llegará la solución de forma curiosa acompañada de una propuesta indecente. En esa primera toma de contacto, se ven claramente las diferencias entre un comportamiento tosco y muy rural como es el caso del tipo que alquila la casa que buscará el momento apropiado para atacar a su presa. Por mucho que quiera ser atento y a las primeras de cambio le regala un perro con el ojo machacado: "porque lo metió donde no debía" y dice llamarse desgracia. Es decir, todo son palos los que le pegan a la joven que acaba de aterrizar en un lugar donde no se lo están haciendo demasiado hospitalario. La historia está rodada en Nalda un pueblo riojano de poco más de mil habitantes. Sigue conociendo más lugareños que tampoco son muy simpáticos y se cruza con un joven,
interpretado por Hugo Silva que parece que le hace tilín, pero que acaba siendo un chismoso como el resto de aldeanos. Cerca de su casa hay unos vecinos que montan saraos festivos ( esa vecina es Ingrid García Jonsson). Son un tipo de personal acomodados que pasan los fines de semana allí con su piscina y sus fiestas horteras. Una noche de esas, de pronto, se le aparece un tipo, Hovik Keuchkerian,
( ex boxeador que guarda una cierta relación directa con el propio personaje, pues su madre tuvo que exiliarse cuando él tenía tres años) que a lo tremendo le dice que quiere ligar con ella. No importa que lo rechace, porque él mismo puede complacerse, pero se lo dice para que lo sepa. Mientras fornican, en algún momento, puede recordar a "El último tango en París" de Bernardo Bertolucci o "El cartero siempre llama dos veces" de Bob Rafelson unos con mantequilla, otros con harina y aquí con huevo batido. Con todo ello podrían realizar un buen pastel.
En definitiva, observamos que no siempre prima el chico guapo que es capaz de ligar a la chica guapa, porque por mucho atractivo que tenga su físico, su forma de ser un tanto contaminada del cotilleo pueblerino y metiendo las narices donde no debe. Por lo tanto, la intimidad personal lastra definitivamente las expectativas de la joven.
Adria Goinginger, director y guionista, tira de la historia personal de sus bisabuelos para sacar a flote un relato de sus antepasados. Esa tradición de contar aquello que va pasando de generación en generación le da un cierto poso de veracidad. "El zorro" se inicia en las montañas de Austria en una zona muy rural de montaña donde un niño se alegra porque le han dado un puñado de patatas. Allí se encuentran su familia en la miseria de vivir junto a un padre demasiado anciano para él, porque es de los más pequeños de la multitud de hermanos que tiene y llega de trabajar excesivamente cansado como para atender a los hijos. Se sitúa en el año 1927 y la miseria, posterior a la Primera Guerra Mundial, puede acrecentarse con otras guerras posteriores.
Las condiciones de ese niño alegre y sumiso a su condición de pobre se aprecian en su estado y forma de vida: va en pantalón corto con las montañas cercanas nevadas, descalzo completamente y recorre, a la voz de su padre, toda la ladera para buscar agua de un caño que mana de una rendija de la montaña. Esa comunidad familiar, abundante, por cierto, se encomienda a un Dios todopoderoso en sus rezos antes de las comidas, pues gracias que todavía les deja pasar vivos los días. Escenas miserables de hambruna se ciernen sobre esa mesa donde se reparten las patatas que acaba de llevar el niño, treinta y una, pero que a él solo le ha tocado una, porque se reparten dependiendo de la edad y como es pequeño, pues menos comida. Los ojos miran la desproporción y no lo acaba de entender. Pasa el tiempo sin que mejoren sus situaciones como si estuviera marcado por el dolor durante todos los años de su vida. Es justo por eso que deben donarlo a una asociación en la ciudad para que pueda comer y estudiar, por mucho que él se niegue a ir.
El protagonista muestra resistencia ante las adversidades, pues crece y sigue prisionero de las circunstancias: la pobreza, la guerra, todo en contra. Su condición de abandono y sin familia tiene su particular calco con un zorro pequeño que acaba de perder a su madre. Intentará adoptarlo y entregarse al animal. Se vuelca en vida sobre este animal indefenso, sintiendo su desgracia como si fuera suya. A partir de aquí, el hilo conductor será la protección y salvación del zorrito que le llevará a unos extremos de protección difíciles de entender.
En definitiva, la entrega hacia el zorro es total y nada le impedirá dedicar su vida hacia él. Con todo el trauma de su paso por la vida, en su casa de la infancia, pasados los años de guerra, le espera una última sorpresa.
"Desconocidos" de Andrew Haight se inicia con imágenes generales de una gran ciudad, Londres, en la oscuridad de la noche. Así, la progresión de la imagen avanza y llega a lo particular donde un tipo ,Adam,
interpretado por Andrew Scott, intenta escribir algo ver la tele, comer galletas. se está despertando o es que trasnocha por motivos que desconocemos. El melón está por abrir. Sin embargo, el protagonista sigue con la idea de comer y se puede interpretar que tenga impulsos de comer por ansiedad y depresión. Lo cierto es que está intranquilo, le asaltan indecisiones que desconocemos. En ese amanecer suena una alarma y sale a la calle, por la ventana ve a un vecino que, posteriormente, baja a saludarlo. Se huele un tufo de depresión, pues el vecino, Harry,
interpretado por Paul Mescal, le cuenta que están en medio de la urbe, pero no oyen nada y las ventanas no se pueden abrir, porque temen encontrar en el suelo cuerpos desparramados. Esa conversación de vecinos con la puerta abierta y con la botella de alcohol en la mano que propone entrar en la intimidad del otro se toma como una insinuación provocativa: " podemos hacer lo que tu quieras". Pese a que la insinuación puede llegar a un rollo sexual. No sucede así en el primer contacto, pero se vislumbra una relación sexual. Toma la decisión de abandonar la ciudad en tren. Trabaja de guionista de películas o lo intenta al ritmo de "Build" Housemartins. Descubrimos la incomunicación con sus padres en un primer encuentro frío, pero así como avanza la historia nos damos cuenta del trauma del protagonista y su estado de trastorno le juegan malas pasada y visiones irreales. Ese es el juego de su mente que mezcla sus sueños y las relaciones sexuales con su vecino.
En diferentes conversaciones con los padres, desde esa distancia insalvable, se habla de las prohibiciones que sufría por cruzar las piernas como las chicas, además del "bullying" que recibía de los compañeros de la clase. En definitiva, la película circula en dos mundos: uno sucede en el momento en que visita a sus padres( de distancia insalvable) y recuerda la infancia tormentosa por ser homosexual; dos, la relación amorosa que mantiene con el vecino sin preocuparse apenas por nada ni nadie ni lo que puedan decir. No está nada mal acabar con la música de "The Power Of Love" ( el poder del amor) de Jennifer Rush.
"Los osos no existen" ( Premio Especial del Jurado en el festival de Venecia 2022) de Fajar Panahi, ( "Taxi Teherán" que él mismo conducía el taxi y grababa a los clientes sus curiosidades)
director y actor iraní que se pasó tres meses detrás de las rejas, porque lo que graba no les gusta a los gobernadores de su país. Insiste en el trabajo del director en la forma de rodar una película, es decir, intenta captar la realidad de su entorno sin que apenas se note la cámara. Por lo tanto, quiere pillar infraganti a los vecinos del pueblo lo más natural que pueda. El estilo es parecido a "El sol del futuro" de Nanni Moretti donde se busca la forma de rodar una historia con las vueltas atrás que haga falta y al mismo tiempo se produce la realidad del propio creador,¿ o también es ficción? Aquí, el creador se topa constantemente, aparte de las pegas de las autoridades, con las deficiencias estructurales de la red.
Contrasta esas carencias de su mundo con el de las grandes producciones. Él pide a los vecinos cualquier cosa para salir del paso, por ejemplo, una escalera. El director tienen infinidad de problemas para rodar la cinta a cada paso que da se le cuestiona todo. Son temores de que algo le pasará. Los lugareños opinan siempre de todo lo que hace en ese sitio que por qué ha ido allí cuando en Teherán tiene mayores comodidades, que si está cómodo en la casa que ha elegido. La película avanza en dos frentes: el rodaje y las condiciones en que se encuentra el director para rodar. Las dos muestran que la realidad y la ficción van de la mano. Sin embargo, lo que pretende es captar la naturalidad de los vecinos del pueblo y las dificultades que tiene para rodar en su país.
El creador, con toda parsimonia, recibe palos por todos los lados. Los hechos y las actuaciones del personal del pueblo se ve con mucha naturalidad y esto le da cierta frescura a la cinta. En fin, parece que abunda la cordialidad, pero detrás como en las zonas donde habitan pocas personas se preocupan o mejor se meten en la vida del desconocido queriendo influir o cambiar su independencia personal de hacer y de ver las cosas. De todos modos está grabando y todo lo que cuenta es ficción por mucho que creamos en la realidad de los acontecimientos.
"Passages" de Ira Sachs es el título de la película que están rodando (tampoco tiene ninguna incidencia en el desarrollo de esta) El director, Tomas, interpretado por
Franz Rodowski, ( tiene un aire a Joaquen Phoenix, le van los papeles de celos entre parejas. Es el actor de "Gran libertad" de Sebastián Meise) en primera instancia es un personaje muy perfeccionista, pues la toma de la cinta no puede pasar adelante si no están todos los detalles medidos: que baja la escalera con los brazos como aspas, que un figurante está con una copa sin contenido y así todo el tiempo. Es una grabación de otra época y queda un tanto impostado. Ahora, el rodaje ya ha terminado y el personal que lo forma tiene una vida al margen que sí se ve más natural. Sin embargo, la trama nada tiene que ver con la cinta que rueda, pues se desarrolla en ese trío amoroso: la pareja de chicos homosexuales, el otro joven, interpretado por
Ben Whishaw, se ve afectado porque acaba de dejarlo a su aire y acaba de ligar con una chica de la fiesta, interpretado por
Adéle Exarchopoulus ( aparecía en "La vida de Adele" de Abdellatif Kechiche y en "Generación Low Cost "de Julie Lecoustre) ) que ha entrado en sus vidas puede generar celos entre los dos. Así, Tomás se cree el centro del mundo y puede vacilar con crueldad a las personas que lo rodean. En definitiva, se centra en el personaje principal de ese director egocéntrico que abandona amores por las esquinas y piensa que puede recuperarlos cuando él quiera. Mira por complacerse él mismo sin darse cuenta del dolor que genera al prójimo.
"Cómo tener relaciones sexuales" de la directora Molly Manning Walker ( ganadora de la sección Un Certain Regard en el festival de Cannes 2023) plantea la problemática del desmadre adolescente en las farras de verano en el extranjero. Las agencias de viajes montan paquetes de viajes especiales, a precios irrisorios, con la seguridad de diversión, para consumir droga, alcohol y sexo. No importará que sean menores, que les afecte una relación inicial sin estar demasiado preparadas. Así, aparcados los exámenes finales del curso, ya no importará mucho los suspensos, es hora de la locura colectiva. Tres adolescentes
( Tara, Mia McKenna; Skye, Lara Peake; Em, Enva Lewis) se meten en la boca del lobo sin contemplación. La idea principal de estas tres jóvenes es la de tirarse a un tío a toda costa, aunque esa acción sea la experiencia de lo más deleznable que puedan tener. Por lo tanto, pasárselo bien es mamar alcohol hasta caer tumbadas en la cama, derrotadas del baile, y borrachuzas perdidas. Los resultados aparecen en esa calle repleta de bares con el suelo lleno de latas y meadas por todas las esquinas. Parece un lugar en el desierto hecho expresamente para eso: las locuras de los jóvenes hasta llegar al coma etílico si hace falta.
Las ilusiones de obtener una relación sexual explosiva se quedan en nada. En fin, resulta patético que se relacionen o logren obtener su primera relación sexual a partir de borracheras sin fin, de colocones que no saben ni dónde se encuentran. Eso no será lo que ellas esperan, sino una decepción absoluta.
