Leemos la tapa resumen de un libro y abandonamos. Siempre nos fiamos de ese crítico que se ha empapado tochos por un tubo. Esa maldita sinopsis nos puede reventar una película. Si leemos: "un taxista va a buscar a una anciana para llevarla a una residencia, pero le pide que la acompañe por ciertos lugares de su pasado". La verdad, nos puede echar hacia atrás y ni siquiera darle una oportunidad. En cambio, si varios críticos coinciden( muy entendidos ellos) en dejarla en buen lugar, pues ya es motivo para echarle un vistazo. Se supone que algo interesante habrán visto para darle buena puntuación. De entrada, apreciamos nostalgia en los primeros minutos de alguien que está en su tramo final de su vida y debe abandonar el lugar donde ha vivido todo su tiempo. Ya no puede seguir sola allí en ese caserón y debe abandonar. Por eso, en un inicio, puede tirar para atrás con ese inicio de "Un paseo con Madeleine" de Chistian Carion interpretada por esa actriz,
Lina Renaud, que le imprime fuerza y delicadeza, sensibilidad, ironía y carcajadas a su situación patética Esa ausencia del lugar es un abandono de sí misma, puesto que deja atrás infinidad de recuerdos almacenados en esa casa. Eso por parte de la anciana, en cambio, su taxista,
Dany Bonn, de media edad, que viene a llevarla a la residencia no se plantea la vida desde el mismo prisma, quiere ganar una pasta rápida, déjate de contar historias de una vida y a otra cosa mariposa. La relación entre los dos no acaba de ser muy empática. No tienen nada en común, pues, en parte, los viejos ya no tienen nada más que contar y deben apartarse a nuevas generaciones. Esa es la primera imagen que él ve. Ese recorrido en taxi por los lugares que ella vivió recuerda en cierta manera a "Querido Diario" de Nanni Moretti que se paseaba por Roma con una vespa con el repaso de aquello que es cotidiano. Con la imagen mítica del propio Moretti en la barra de un bar y frente a una televisión de la época bailando
"El negro zumbón" que se emite por la pantalla en blanco y negro por Silvana Mangano. Aquí la relación entre los dos es un tanto áspera: ella que quiere conversación y él que no la quiere. La anciana comenta su pasado (recuerda en cierta manera, por su historia desgraciada con su hijo, a aquella actriz que la arrebatan a un hijo y lo pierde sin ser capaz de disfrutarlo en la película "Philomena" de Stehhen Frears con diferentes temáticas una de la otra) repasa encima del taxi, aquellos momentos cumbres de su historia. Los caminos que debe tomar en su vida y que se bifurcan. Así, esa señora al final de su vida, mantiene buen ánimo y una actitud positiva, pero, como muchas mujeres, cuenta que después del amor también las "pasó canutas" con el desprecio de un machista. Finalmente, después de un día entero dando vueltas llegan a la residencia en busca de un final dramático que se ve llegar de lejos.
"Los asesinos de la luna" de Martín Scorsese no es un western tradicional. No veremos vaqueros enfundando una pistola y a caballo defendiéndose de los indios malos que cabalgan en círculo ante un parapeto de carros volcados en medio del desierto. Ni diligencias perseguidas por los pieles rojas que lanzan flechas sobre la frente del blanco que antes escupió el polvo sobre el desierto. Esos indios siempre salvajes que quieren cortar la cabellera de los blancos. Nada de cortarlas a los blancos, con sus navajas afiladas mirando al cielo, siempre interpretado como barbarie y no como un acto religioso para facilitar que el alma salga del cuerpo al más allá y no se atormente en la Tierra.Tampoco encontraremos el fuerte donde se refugiaba el batallón y adiestraba a los cadetes torpes para emprender la batalla de la toma de posesiones del territorio indio. Ni el galope del batallón de confederados a toque de corneta con la bandera de los Estados Unidos al viento ( de su única nación cuando los habitantes primitivos no son ellos sino los perseguidos) persiguiendo a los indios como animales. Con el fin de echar de unas tierras que son más de ellos a unos aborígenes que ya estaban allí cuando llegó Colón. Vivían de la caza, la pesca o del ganado en sus tiendas tan exóticas formadas por troncos y pieles. Todas las etnias tenían una cultura particular: sus bailes, ritos, lenguas. Con sus vestidos de pieles y sus plumas en la cabeza que los engalanaba. No hay ninguna de las imágenes míticas de Arizona del Monument Valley. Sin embargo, encontramos similitudes al Western. Aparecen indios que son diferentes: visten bien, llevan joyas y viajan en coches de lujo. Eso sí, sometidos por los blancos. Siempre con la intención del genocidio a pequeña escala por medio.La historia es real y se desarrolla años más tarde de las aventuras de conquista del Oeste ( 1920) cuando el Norte, confederados han ganado la guerra y ya ha establecido sus leyes y abolido la esclavitud en el país, pero los indios siempre al margen deben retirarse a las reservas que los blancos han establecido, a unas tierras desérticas y poco productivas. Arrinconados en Oklahoma, la raza Osage se convierte por casualidad en los habitantes más ricos del planeta gracias al liquido valioso que ocultaban esas tierras poco productivas. El petroleo les hace pasar de miserables a ricos. Lo más lamentable es que el relato es verídico, es decir, esos malvados blancos que matan al indio rico sin escrúpulos, existieron. Así lo cuenta en la obra del mismo título el autor David Grann. En ese contexto de la historia aparecen los villanos que quieren apropiarse de la riqueza.
Robert de Niro ( como ocurría en "El Padrino" con Marlon Brando) realiza tareas de salvador y buen campechano que ostenta una rancho de ganado que muestra las dos caras diferentes: una más bondadosa, pero , por la otra, malvado y demoníaco hasta el final de su vida. Él, por detrás, siempre va azuzando a los matones para que se cargue al personal.
Leonardo DiCaprio, el sobrino del anterior, que es como una marioneta accionada por su tío, ladrón y asesino con la misma doble cara del anterior, pero esconde la carta de galán enamoradizo de la india rica, interpretado por
Lily Gladstone, ciega de amor, confusa y enferma de diabetes que siempre confía en su marido pese a que se la está cargando lentamente. Además, sabe que se acerca a ella porque tiene mucha pasta. Así, se parece más a una película de gánster de mafiosos como sucedía en "Uno de los nuestros" donde el crimen y la muerte está presente si detrás hay dinero donde rascar. Por eso, la vida del indio no vale una nada y se le mata sin mayores escrúpulos. Aquí se deja a los muertos ( siempre aborígenes ricos que molestan) en medio de una charca, sin preocuparse en enterrarlos.
No existe el amor, sino heredar la riqueza a toda costa, aunque para ello se tenga que matar a su propia mujer. En definitiva, la pena de la historia es que los asesinos nunca creen que hacen el mal. Piensan que su actuación entra dentro de la normalidad. Continúan con el mismo pensamiento de sus antepasados en someter a los aborígenes porque los consideran inferiores. Por lo tanto, no hay tanto lucha de clase, sino directamente racismo puro y duro. Ya tenemos una candidata para los Oscar próximos. No eres capaz de desconectar de las imágenes. Excelente película, pero qué manía con hacer obras de tres horas y media. Sales de la sala agarrotado.
"Las nadadoras" de Sally El Hosaini cuenta el drama de dos hermanas ( historia real de Yusra y Sara Mardini, interpretado por Nathalie Issa y Manal Issa, que marchan de Damasco después de que una bomba alcanzara su domicilio. Esto sucede en 2015 y se ven obligadas a emigrar) que quieren alcanzar la gloria en los juegos olímpicos.
Son nadadoras entrenadas por su propio padre que las prepara para retos importantes, pero la situación y el lugar no es el más apropiado. Se encuentran en Siria, su país natal, con un conflicto de Guerra Civil.
El escenario es de batalla: suenan los bombazos alrededor, casas destruidas y cacheos continuados por unos militares sin humanidad y déspotas de saberse superiores con una ametralladora en la mano. Después de diferentes peripecias en su viaje hacia Alemania llegará el deseado triunfo. En fin, da la sensación de estar adornado con una cierta sensiblería, sin embargo, el hecho de tratarse de una biografía de acontecimientos reales le da un cierto empaque de veracidad.
La historia de "The quiet girl" de Colm Bairead ( Espiga de Plata del festival de Valladolid 2022 y varias nominaciones a otros festivales) se desarrolla en Irlanda del siglo pasado en el seno de una familia rural con pocos recursos y muy numerosa. Entre todos los componentes, Cait, interpretado por
Catherine Clinch, es la pequeña de nueve años que divaga escondida por el campo sin que nadie atienda a su soledad. Se trata de una niña acomplejada, solitaria y olvidada por la familia que pasa mucho de ella por parte de toda la familia. La madre está embarazada que recibe una carta sorpresa y no dudará ni un segundo en desprenderse de ella y mandarla a una casa de una familia lejana con tal de vaciar la dependencia de hijos. Esa niña vive al margen de sus hermanas que no le prestan la menor atención como si fuera invisible ni siquiera cuando se marcha a vivir con esos parientes lejanos. Allí cambia su vida drásticamente, pues el amor y las caricias son abundantes. La atención de ese matrimonio hacia ella sin hijos es exquisito. Sin embargo, el director se guarda un secreto que impregnará de sentido el comportamiento de esa pareja.
Por lo tanto, la niña pasa de la barbarie y de la despreocupación inicial hacia el lado opuesto en ese trato amoroso. Con todo ello, la niña muestra un cambio sustancial: está alegre, habla con desparpajo y se relaciona con su nueva familia con naturalidad. En cierta manera la trama tiene bastante parecido con la película "Verano 1993" de Carla Simón, aquí los padres se morían y la niña debía marchar a casa de sus tíos. En definitiva, vemos que el medio puede influir positiva o negativamente en el devenir del futuro de las personas. Así pues, el cambio de condiciones determinará el desarrollo de la niña.
La persona samaritana que quiere atender a un indigente que duerme en la calle, interpretado por
Karra Elejalde, ( todos los personajes que toca los convierte en oro) se ve con los problemas de encontrarle un acomodo en alguna de las casas de acogida. "Vasil" (es el personaje en cuestión, que así se llama también la película), del director Avelina Prat, es el intruso,
interpretado por Ivan Barnev, se ha metido en su casa que, por lo visto, es un lince en el juego de ajedrez y el bridge. El tipo es de Bulgaria y llegó para realizar tareas de cocinero y en pocos meses se fue a pique la empresa y se vio en la calle. Su hija, Alexadra Jiménez,
le importa un pepino que esté al descubierto por muy campeón del juego que sea de su país, quiere que se vaya. Al final, resulta que Vasil es un crack en todo lo que se pone: cocina de fábula, está atento para ir a buscar una farmacia de urgencia en plena noche, puede realizar de fontanero, le repara un grifo a la señora del club
( Susi Sánchez por si faltaba algún actor de verdadero empaque). Es una auténtica joya de tipo. En fin, aquellos que buscan acción que desistan de verla. Sin embargo, como sucede en todas las películas, cada una de ellas encuentra a su público. Eso.
de adulto, porque el personaje pasa por diferentes etapas de su vida, actor de "Martín Eden" de Pietro Martello) es un niño que vive en la ciudad, concretamente en Turín; y Bruno, su compañero de infancia, tiene la misma edad, 12 años y vive en los Alpes italianos. Entre los dos les unirá una amistad que durará mientras vivas, aunque pasen por procesos de tiempo muy duros. "Las ocho montañas" de Félix Van Broegenen ( adaptación de la novela de Paolo Cogneti y premio del público en el festival de Cannes 2022) cuenta, en ocasiones en voz en "off", esos inicios de amistad en ese pueblo montañoso que tan solo se encuentran los dos niños junto a sus familiares. En esos días de montaña, de veraneo, su padre que es ingeniero y pasa las vacaciones con él se emociona en las subidas a la montaña.
Los dos niños tienen ciertas carencias: por un lado, el urbanitas, su hijo, se adapta peor a las escaladas y el chico de pueblo resiste bien, pero, por otro lado, el segundo muestra ciertos problemas con las letras ya que no acude a ningún colegio y debe leer por libre con la madre de su compañero Pietro. Esta precariedad en los estudios llevará a proponerle un cambio de vida para que vivan juntos en Turín y así poder asistir a unas clases normales en la escuela. Sin embargo, no acaba de cuajar el proyecto. Esa amistad seguirá cuando lleguen a adultos, pero con contratiempos, ya que cada cual seguirá caminos diferentes.
Una cinta con la naturaleza de fondo donde discurre la vida entre dos amigos que mantienen los lazos de infancia y de amistad permanentes después de pasados los años. Bruno se resiste a salir de los Alpes y cambiar su dinámica, incluso después de casarse y tener una niña, en cambio, Pietro pretende dejarse llevar por otros picos y conocer otras culturas. En fin, encontramos amistad, naturaleza, sencillez y unas cuantas reflexiones más por el camino.
La sinopsis de la película "Alice, cariño" de la directora Mary Nighy más cinco minutos de visionado ya nos acercan a una especie de pánico machista que sufre la protagonista. No es necesario que salgan criminales o que haya un maltrato físico evidente. Se puede llevar dentro sin que la protagonista,
Anna Kendrick, (actriz con una larga trayectoria, muy reconocible, pero sin acertar a ubicarla en ninguna película destacada hasta llegar en su larga filmografía a aquel film de Jason Reitman"Ul in the Air", quizá por verla unas cuantas veces, que junto a George Clooney que se dedicaban a analizar el estado de las empresas y despedir a saco a todo aquel que no fuera productivo, luego se largaban y les daba igual dejar hechos polvo a unas personas que difícilmente encontrarían trabajo nuevo) sea capaz de hacer nada para desligarse de esa especie de esclavitud en pareja. Aquí, el personaje, pese a tener un inicio de cierta libertad, siempre guardando las apariencias, con unas amigas en un bar donde hablan sin tapujos sobre los hombres. Sin embargo, ya olemos el machismo en cuanto el marido, insiste por teléfono que le cuente cómo está y ya le está pidiendo una foto provocativa desde el lavabo, vete tú a saber con qué fin. En principio, esa relación de pareja parece normal de cara al exterior: tienen un trato cordial y amoroso de cara a la galería, pero ella, por dentro, en sus meditaciones personales, algo fuerte oculta que no funciona bien que no la deja vivir. Simón, su marido, es un pintor que expone sin demasiado éxito y siente ansiedad por un futuro de fracaso. Pero la realidad es otra: ella lo impulsa, lo consuela, lo adora, pero todo es mentira, pues ese servilismo no es otra cosa que dejarse llevar por el otro y no tener la capacidad autónoma para decidir y opinar dentro del matrimonio.
Está hundida y necesita salir a flote. En definitiva, esa ansiedad interna que es incapaz de desprenderse, de luchar por tener una voz y un espacio personal hace que sea infeliz.
La película de animación "El gato con botas: el último deseo" de Joel Crawford busca el entretenimiento. La acción trepidante de los primeros minutos te atrapa profundamente con ese gato tan particular y la voz del gato protagonista, cedida por
Antonio Banderas, ese acento andaluz muy pronunciado, atrapa y ya no te suelta hasta el final. Cuenta la vida de ese gato con botas que nunca ha escatimado las aventuras y se ha metido de lleno en todo tipo de batallas peligrosas. No le importa morir puesto que como tienen siete vidas qué más le da malgastar una, pero sin darse cuenta las ha perdido todas sin apenas darse cuenta y al final le aconsejan que la próxima será su muerte definitiva y si quiere durar más tiempo debe irse a una casa tranquila como un gato común, nada de refriegas donde exponga su última vida.
No se lo cree, pero la muerte le acecha y no tiene más remedio que enterrar ese traje de héroe valiente y dedicarse a la vida tranquila. Sin embargo, no puede resistir esa vida ñoña y hogareña y se enfrentará a la muerte si fuera necesario.
Woody Allen se podría pasar toda la vida haciendo la misma película cambiando la trama: ahora el asesino es este, luego el malo es el otro. Pero siempre estaríamos atentos a lo que pasa en la pantalla por su especial juego de enredos. Siempre acompañado de esa música especial ya sea de clarinete, trompeta o lo que sea. No podemos repasar toda su filmografía, puesto que es demasiada extensa, pero si las coincidencias de "Golpe de suerte", su última película, con una de sus obras maestras "Mach Point". Es cierto que los escenarios se mueven por diferentes derroteros: unos por Londres y otros por París, como sucede en esta última. En las dos se habla de personal con dificultades para llevar adelante su vida vulgar y anodina como en general lo hacen los mortales y lo contrasta frente a los afortunados ricos que muestran ostentosamente su despilfarro de dinero. En la película anterior, se ve al tenista trepa que da clases a un chico de familia adinerada y se enrolla con la hermana de éste. Consigue mantener una buena amistad y casarse con ella, pero realmente mantiene una relación amorosa con la novia del chico que da clases que ya se ha separado de él. Ese desenfreno amoroso lleva a que el personaje sin proyección en la vida, si no es con el apoyo de la familia de su esposa, elimine a su amante porque considera que no puede abandonar el modo rimbombante de vida y volver a las miserias del pasado. Después de que el protagonista se cargara a su amante tiene una "potra" para que no se descubra que ha sido él el asesino. En "Golpe de suerte" se mueven los roles de los personajes y el malo es el ricachón que no tiene escrúpulos en cargarse a todo aquel que se le presenta por delante. También existe esa relación fuera del matrimonio
( interpretado por Lou de Laage y Niels Schneider) de esos antiguos amigos que se acaban de ver después de varios años sin noticia uno del otro. Así, poco a poco se han enrollado. La chica se ha dejado llevar por el nuevo amor que le llena más sus momentos vitales que su marido ricachón. Por lo tanto, el matrimonio queda roto. El marido ( interpretado por Melvin Poupaud) , por la conducta de su mujer, se huele que le están dando un "gatazo" amoroso. Sospecha que algo sucede cuando él no está en escena. Necesita, por tanto, recomponer esa felicidad perdida, cueste lo que cueste. No importa que recurra a los matones de turno que en otras ocasiones ya le salvaron el culo.
Así, los asuntos sucios se resuelven por la vía rápida. En fin, una cinta de enredos amorosos al muy estilo del director que apasionará a sus fans y dejará un tanto soporíferos a quien guste un cine más de acción.
El anciano quisquilloso, interpretado por James Cosmo,
que había sido capitán de un barco se siente atacado por su hija al ver su dejadez en su propia casa. Ocurre en una celebración de cumpleaños donde se da cuenta de que su padre necesita de cuidados externos, pues la casa está hecha un desorden: ropa tendida en la cocina, la mesa llena de sobrantes, cacharros y un descuido constante. Toma la decisión de contratar a una asistenta que le solucione estas carencias, pero el solitario lobo del mar no admitirá que un extraño merodee en sus cosas y además invada su silencio intentando darle conversación. Hablamos de "La canción del marinero" de Klaus Haro (director de "La clase de esgrima" donde un profesor de educación física se verá acusado de un pasado reciente por motivos de la guerra; o "El artista anónimo" donde el arte de la pintura es el principal hilo conductor de la trama). Aquí está siempre presente la lucha por conseguir encontrar ese espacio de convivencia entre el anciano gruñón y la asistenta que quiere suavizar las asperezas y ganarse al anciano.
La hija, interpretado por Catherine Walker, busca una solución a esa soledad y abandono mediante una contratación de una señora, interpretado por Brid Brennan, de su misma edad que lo cuide y le haga compañía, pero la solución no le convencerá y ella misma entrará también en un giro del drama que tomará parte activa en la trama de la película.
