El nacimiento de una nación

Título original The Birth of a Nation

Año                2016

Duración         119 minutos

País                Estados unidos

Director           Nate Parker

Guión             Nate Parker, Jean McGianni 

                      Celestin

Música           Henry Jackman

Fotografía      Elliot Jackman

Reparto          Nate Parker, Armie Hammer,

                      Jackie Earle Haley, Gabrielle

                      Union, Aja Naomi King,

                      Penelope Ann Miller, Aunjanue

                      Ellis, Mark Boone Junior, Colman

                      Domingo, Roger Guenveur Smith

                      Griffin Freeman, Jeryl Prescott,

                      Steve Coulter, Katie Garfield.    

¿La vida de los directores va unida a sus obras  o se debería deslindar y separar de éstas? Hay casos donde directores prestigiosos critican en sus obras la violencia, el despotismo y el trato inhumano, sin embargo no pueden esconder su pasado turbulento que les persigue hasta la muerte. Ahí está Roman Polanski perseguido hasta la muerte por un caso de violación a una menor hace ya ni se sabe el tiempo  o el caso de Wody Allen que se casó con su hija menor. En el caso de "El nacimiento de una nación" ( mejor película y premio del público en el festival de Sundance 1916) su director, guionista y actor, Nate Parker,

cuenta la esclavitud y las violaciones que tuvieron que soportar sus antepasados por el hecho de ser esclavos negros. 

Esta protesta de sus raíces masacradas por los blancos se ve muy empañada con casos sucios de su pasado. Así en su juventud fue acusado de violar a una joven en unas condiciones ebrias  que ,con el tiempo, ésta acabó suicidándose y el caso archivado. Este hecho ensombrece la cinta porque el sufrimiento del personaje que relata hechos verídicos  te puede desviar hacia los territorios actuales y no creerte el racismo y la violencia que ven tus ojos. Por lo tanto no creo que sea nada bueno fusionar la obra de ficción a la vida de su autor. Pese a que en esta ocasión, el director busca constantemente las imágenes sensibleras para ahondar en una problemática sangrante con respecto a la esclavitud. Con todo y eso, la cinta guarda ciertas similitudes con 

"12 años de esclavitud" de Steve McQueen al menos en el trato vejatorio de los amos a sus criados, de las palizas y el racismo más cruel.

American Honey

Título original American Honey

Año               2016

Duración       162 minutos

País              Reino Unido

Director         Andrea Arnold

Guión            Andrea Arnold

Fotografía      Robbie Ryan

Reparto         Sasha Lane, Shia LaBeouf, 

                    McCaul Lombardi, Arielle Holmes,

                   Crystal Ice, Verónica Ezell, Chad

                   Cox, Garry Howell, Kenneth Kory

                  Tucker, Raymond Coalson,

                  Isaiah Stone, Dakota Powers,

                  Shawna Rae, Chis Wright,

                  Riley Keough, Will Patton    
     

"American Honey" ( Premio del Jurado en el festival de Cannes 2016)  de Andrea Arnold parece más una continuación del punto en que dejó a Mia aquel personaje adolescente en "Fish Tank"( mejor film británico del 2009), su anterior película, con sus broncas ásperas con su madre. Ese podría ser el punto de partida, pero en una América profunda, con el sueño americano por medio ( ella también ha probado el sueño de trasladar la acción y rodar en América para abandonar el drama social del Reino Unido). Ese sueño que es tan diferente dependiendo de la capa social en que te encuentres, por ejemplo Donald Trump y su sueño era llegar a la Casa Blanca como presidente del país más poderoso del mundo. Sin embargo, el sueño de los jóvenes sin oficio ni profesión será alcanzar un día un bienestar: una casa de propiedad, un coche, una familia. Así, esa cuadrilla de mentirosos que se mueven por las urbanizaciones de las casas de ricos buscan sacar unos dólares o robar alguna joya de valor. Por tanto, la cámara en mano y con planos cortos persigue a 

Sasha Lena en el personaje de paria de la sociedad donde se desprende de sus hermanos para emprender la marcha en solitario y ganarse la vida como puede dentro de esa considerada chusma por la sociedad que se arrastra por las casas de los ricos con el fin de rascar parte del botín o de las migajas que los adinerados mantienen en sus residencias. En el camino se encuentra con

Shia LeBeouf en un papel de lioso compulsivo que miente sin cesar inventándose historias falsas con tal de aprovecharse de la buena fe del personal acomodado y sacarle una pasta gansa. La jefa de la banda, como abanderada americana con un bikini con barras y estrellas, es la nieta de Elvis, 

Riley Keough, y controla la mafia de la pandilla que los cambia de lugar constantemente para que cuando quieran darse cuenta del timo ya estén a una distancia alejada del lugar del robo.

Train to Busan

Título original Busanhaeng

Año               2016

Duración       118 minutos

País              Corea del Sur

Director         Yeon Sang-ho

Guión            Yeon Sang-ho

Música          Jang Young-gyu

Fotografía     Lee Hyung-deok

Reparto        Gong Yoo, Ma Dong-seok,

                    Ahn So-hee,Kim Soo-an, Jung

                   Yu-mi,Kim Eui-sung, Choi 

                   Woo-sik, Jung Kyung-mi, Shim

                   Eun-Kyung, Choy Gwi-hwa.
   
Los espectadores de zombis ya están de enhorabuena porque pueden gozar de las aventuras de esos seres del otro mundo que corren desbocados a sus anchas por la pantalla.

Van dando bandazos y se dan guarrazos contra otros o el suelo, como ya son seres de otro mundo, no sientes dolor alguno y sus magulladura no son obstáculo para avanzar  de nuevo contra el ser vivo. Hace medio siglo G.A.Romero con su "La noche de los muertos vivientes” asomaban por las tumbas centenares de seres fantasmales, desarrapados y haraposos con la intención de apoderarse de los vivos. Ahora en "Train To Busan" de Yeon Sang-ho poco ha cambiado el concepto del zombi quizá se han hecho más feos, más bestias, pero siguen con sus bocados sangrientos que mantienen en tensión al espectador.

 El lugar donde se desarrollan los acontecimientos tiene su importancia, pues si con la serie de "Rec" de Balaguero, la primera y la segunda estaba ambientada como un falso reportaje que se producía en una casa de una ciudad, la tercera en un local donde se celebra una boda y la cuarta en una barco, en esta ocasión estamos en un tren de alta velocidad  ( como ocurría en la cinta "Rompenievas" de su colega Bong Joon-ho  donde la convivencia se hacía insoportable en un tren que recorre el mundo y que jamás puede parar ) que parte desde Seúl a Busán cargado de personas preparadas para trasformarse en zombis por culpa de un pasajero contagiado e imprevisto de última hora.

El hecho de encontrarse en un lugar cerrado con compartimentos y puertas herméticas que se cierran y se abren da lugar a una acción continuada que no cesa. Así, esto implica una lucha entre vagones por conquistar un espacio, pero nunca se tiene la seguridad de que todos estén bien,sino que puedan estar infectados.

 Por eso, hay momentos en que las individualidades de los humanos prevalecerá por las ganas de salvar el culo antes que por el colectivo, y aquí es donde se desata la guerra.

Silencio

Título original Silence

Año                2016

Duración         159 minutos

País               Estados Unidos

Director          Martín Scorsese

Guión             Martín Scorsese ( Shusaku Endo)

Música           Kim Allen, Kathryn Kluge

Fotografía      Rodrigo Prieto

Reparto         Andrew Garfield, Adam Driver, Liam

                    Neeson, Ciarán Hinds, Issei Ogata,

                   Tadanobu Asano, Shin'ya Tsukamoto,

                   Ryo Kase, Nana Komatsu.


"Silencio" de Martín Scorsese muestra el trato inhumano que se produce a los cristianos en Japón allá por el siglo XVII.

 Con unas imágenes poderosas que levantarán los pelos de punta a más de uno, pero se queda corto si lo comparamos  con su inmensa filmografía: deslumbrantes obras  desde "Taxi Driver", con un De Niro taxista que se vuelve majara y quiere exterminar a toda la escoria que pulula por la ciudad; pasando por "Uno de los nuestros" con unas de las imágenes más violentas  donde un aprendiz, Ray Liotta, de ganster va aprendiendo de las salvajadas de Joe Pesci que no le tiembla el pulso si tiene que disparar a los pies de un triste camarero para que baile y divertirse como un chalado o le clava un puñal en el cuello a un tipo que le cae mal,luego con una pala en mano, antes un buen desayuno, se entierra y ya está, con "Casino" donde otra vez de Niro mantiene a su casino como tapadera de las mafias hasta llegar  ( y en el camino me dejo muchas igual de buenas) a "El lobo de Wall Street" donde Di Caprio es un lobo de las finanzas y vende a saco el humo bursátil y en todas te  quedas pegado a la butaca durante todo el metraje. En esta ocasión no resulta igual, tal vez por el tema de los religiosos en su profundidad y obcecación por aguantar la disciplina cristiana, quizá se haga cansino. Si, estamos de acuerdo en unas imágenes poderosas, pero le falta chicha, no parece de Scorsese. Quizá le falte ritmo. Lo cierto es que tanto él como Eastwood con "Sally" han quedado fuera de concurso de los Óscar que en principio son los dos perdedores porque no están nominados, al menos con los galardones de prestigio. Tampoco es que la Academia ,a veces, tenga un ojo certero, pero en este caso parece que el descarte es más que justificado y solo con el renombre del director no ha sido suficiente para entrar en la pugna de los míticos premios. Mientras vemos el inicio nos puede venir a la cabeza "La misión" de Roland Joffé, donde los padres mantenían una lucha feroz con otras creencias, pero se queda en visión porque nunca llega lo esperado.

La película habla de fe profunda de al manera que se renuncia al hombre para irse con Dios, porque se supone que allí será el paraíso, entonces por qué temer una muerte ni las ejecuciones si vamos hacia la luz. Ese es el planteamiento teórico religioso.

Después de nosotros

Título original L'economie du couple

Año               2016

Duración       100 minutos

País              Bélgica

Director         Joachim Lafosse

Guión            Joaquin Lafosse, Fanny Burdino,

                     Mazarine Pingeot

Fotografía     Jean-François Hensgens

Reparto         Berénice Bajo, Cédric Kahn,

                     Jade Soentjens, Margaux 

                     Soenjens, Marthe Keller

                     Catherine Salee, Tibo

                     Vandenborre, Philippe

                     Jeusette, Annick Johnson, 

                     Pascal Rogard, Ariane Rousseau.
  

"Después de nosotros" de  Joaquim Lafosse arranca sin más preámbulo con una bronca continuada de un matrimonio ( interpretado por 

Berenice Bejo y Cédric Kahn 

) con sus dos hijas como espectadoras. No sabemos nada de sus vidas anteriores porque el director quiere meterse de lleno a cortar materia de un tema tan complejo como es el divorcio y la separación de bienes materiales junto a la distribución de los bienes morales compartidos como es la educación de sus hijas. Y aquí es cuando llegan los problemas más importantes porque cuando no se va a una y los padres no hacen piña en muchos criterios lo más normal es que se utilice a los hijos como piedra arrojadiza para lastimarse entre ellos. Esto es justo lo que sucede a partir en que los puntos de vista varían sencillamente por llevarse la contraria uno al otro, solo por fastidiar. En ese contexto, los niños se suelen aprovechar de la situación como por ejemplo en el momento de tomar un helado después de una batalla de discusión por comerse la comida, uno quiere castigar sin postre, pero el otro consiente la golosina.

 Recuerda, con la excepción de que en aquella ocasión no había niños de por medio y que no es tan violenta por lo menos físicamente, a "La guerra de los Rose" de Danny DeVito donde Katheleen Turner y Michael Douglas se tiraban los trastos a la cabeza con una violencia tan extrema que llagaban hasta la muerte. En este caso es una lucha descarnada por apropiarse, por las dos partes, tanto la casa como la tutela de las hijas.

La última apuesta

Título original Mississippi Grind

Año               2015

Duración        1078 minutos

País               Estados Unidos

Director          Anna Boden, Ryan Fleck

Guión             Anna Boden, Ryan Fleck

Música           Scott Bomar

Fotografía      Andrij Parekh

Reparto         Ryan Reynolds, Ben Mendelsohn,

                     Sienna Miller, Analeigh Tipton,

                     Robin Weigert, Alfre Woodard,

                     Stephanie Honoré, Jane McNeill,

                     Indigo Teri Wyble, Wes Lagarde,

                     Vanessa Cloke, Hunter Burke.   


"La última apuesta" de Anna Boden y Ryan Fleck se adentra en el mundo especial de dos vividores del juego del póquer. Su obsesión raya la enfermedad. Más allá del triunfo personal, buscan una manera de identificarse en sus vidas, pues el resto de empresas o proyectos que emprendieron  fracasaron. La energía está volcada en realizar la última gran partida para retirarse a tiempo con pasta en los bolsillos. La película se mantiene a flote gracias a dos interpretaciones muy logradas: Ben Mendelson

( hace poco se le veía en un papelito en el wéstern "Slow West" de John Maclean)  como un personaje agotado en su vida personal y obsesionado en lograr su objetivo por medio del juego y Ryan Reynolds ( su carrera es discreta o por lo menos con apariciones que no se deja ver

mucho como por ejemplo en "Deadpool" de Tim Miller que va siempre cubierto con máscara o en "The Voices" de Marjane Satrapi con un papel como siempre, de apariencia normal, pero que detrás se esconden las sorpresas de asesino. 

En este, caso su papel gana consistencia) más calibrador de la situación que su compañero emprenden una aventura sin límites. Su objetivo es triunfar en esta vida y el juego es su pasión si eso les acerca a sus objetivos y mucha pasta mejor que mejor. Sería demasiado compararlos con parejas míticas como Robert Redford y Paul Newman en "El Golpe" de George Roy Hill o en "El color del dinero" de Martín Scorsese donde un jovencito Tom Cruise mantiene un duelo con Newman, pero en este caso buscan éxito con el taco en una mesa de villar. Las comparaciones son un tanto alejadas de la realidad porque la película no alcanza el nivel de estas últimas, pero al menos la interpretación se acerca a los grandes mencionados. Otra película interesante que toca el juego de lleno sería la española (1)"La vida mancha" de Enrique Urbizu donde dos hermanos jugadores ( José Coronado duro, temperamental es uno de ellos) intentan desterrar el juego de sus venas. 

Tarde para la ira*GOYA

Título original Tarde para la ira

Año                 2016

Duración         92 minutos

País                España

Director          Raúl Arévalo

Guión             David Pulido, Raúl Arévalo

Música           Lucio Godoy

Fotografía      Arnau Valls Colomer

Reparto          Antonio de la Torres, Luis Callejo,

                      Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia

                      Rubio, Raúl Jiménez, Font García

                 

Raúl Arévalo es ese actor joven con una larga carrera de títulos detrás de él. en su película como director, "Tarde para la ira", ha succionado como un vampiro las experiencias vividas con todos  los directores que ha tenido para sacar lo mejor de ellos. Sobre todo trasmitir  con esos primeros planos las sensaciones más naturales de los actores.

Éstos brillan con sus personajes de perdedores de la sociedad, castigados por la casualidad o por la sed de venganza. La frescura de sus papeles le llega de aquellos papeles que pasaban por las terrazas de la ciudad de la mano del director Daniel Sánchez Arévalo (otro Arévalo) en  "AzulOscuroCasiNegro" o apalancarse a Antonio de la Torre de "Primos" y decirle tú sigue el papel, pero sin ser un borracho que deambula sino con el mismo talante de hijoputa que igual te tiras al mar o te tiras a la mujer del hombre que te quieres cepillar a tiros porque si te  tocan a tu familia entrarás en rabia perpetua. Ese actor metido a director que ha trasplantado la mala leche del policía de "La isla mínima" de Alberto Rodríguez en Luis Callejo. Actor que ha pillado la cámara con la intención de hacerlo igual o mejor que sus maestros y supongo que ha llegado para quedarse en posteriores ocasiones porque su dirección es más que notable. Ahí está bien colocado en la parrilla de salida con once nominaciones de las gordas a los Goya: mejor película, mejores actores principales Antonio de la Torre y Luis Calleja,

 mejor actor de reparto, Manolo Solo,

con un papelito de cinco minutos que no tiene desperdicio, director novel, actriz revelación en Ruth Díaz.

No le falta nada por nominar otra cosa será los premios que reciba. La historia se va encabronando a medida que pasa el tiempo y los personajes se van colocando en lo que realmente son: unos resentidos de la vida con ganas de ajustar las cuentas pendientes.

El hombre de las mil caras*GOYA

Título original El hombre de las mil caras

Año                2016

Duración         123 minutos

País                España

Director           Alberto Rodríguez

Guión              Alberto Rodríguez, Rafael Cobos

Música            Julio de la rosa

Fotografía       Álex Catalán

Reparto          Eduard Fernández, José Coronado,

                      Carlos Santos, Marta Etura, Emilio

                      Gutiérrez Caba, Luis Calleja, Tomás

                      del Estal, Isabel Elejalde, Pedro

                      Casablanc, Enric Benavent.

  
La cinta “El hombre de las mil caras” de Alberto Rodriguez consigue darle a la acción una ambientación casi perfecta como ya lo hacía en sus anteriores trabajos

 “Grupo 7”  o en “La isla Mínima” donde la ambientación y el ritmo frenético era su fuerte.

Ahora, se detiene en los hechos acaecidos en dos personajes corruptos de la sociedad española. Muestra con maestría  la vida del chanchullero Paesa ( traficante de armas  en los momentos más calientes de la guerra con E.T.A, o con el G.A.L, no le importa lo más mínimo colocarse de una banda o de otra si detrás hay pasta para pillar, todo ello sucede allá por los noventa del siglo pasado) interpretado por el excelente Eduard Fernández,

el cual se adentra en un personaje con unos rasgos muy marcados: su frialdad, su saber estar en los momentos oportunos con su sabiduría para encandilar o hipnotizar a sus interlocutores para sacarles la pasta sin que apenas se enteren. De la nada, monta un personaje calculador que no se inmuta ante las culpabilidades que le acusan que se escurre cuando lo tienen cercado y que nunca se derrumba, calculador con ese porte de fumador empedernido. Ese personaje que se mueve en el mundo de la diplomacia en el extranjero que hace de mediador con los políticos españoles y los del extranjero que se sitúa en ese mundo del estafador y el estafado y de ahí nunca saldrá. Y el impostor Roldán, interpretado por Carlos Santos

con una puesta en escena blanda y miedosa después de haber sido director de uno de los cuerpos del estado más grande como era entonces Director General  la Guardia Civil, puesto al que llegó con un curriculum de carreras académicas falsas que engañaron a Felipe González, presidente del gobierno por aquella época y que estos altercados acabaron con su carrera política. A su lado, le mantiene de pie su esposa, una Marta Etura

con una fuerza y solvencia que sostenía a aquel hombre derrotado y temeroso. La sociedad corrupta española se muestra ante la pantalla abierta en canal con esta ventana de corrupción que se abre hacia el público. No faltará material para sucesivas cintas si se quiere ahondar en este campo, pues, por desgracia, hay material más que de sobra pendiente de llevar a la pantalla como pueden ser los casos de corrupción política actuales que no es necesario nombrarlos porque es más que conocido y además aburre tener que escribirlos. En fin, lo que más duele es que se habla de personal socialista que en principio debían ser personas implicadas con los más necesitados, pero como se ve solo se preocupan de engordar su propio bolsillo.

Cerca de tu casa*GOYA

Título original Cerca de tu casa

Año                2016

Duración         93 minutos

País                España

Director           Eduard Cortés

Guión              Eduard Cortés, Piti Español

Música             Silvia Pérez Cruz

Fotografía         David Omedes

Reparto             Silvia Pérez Cruz, Oriol Vila, 

                         Lluís Homar, Adriana Ozores,

                         Iván Massagué, Iván Benet

                         Manuel Morón.

Eduard Cortes se estrenó con aquella magnífica película "La vida de nadie" donde( se basa en hechos reales) un José Coronado encarnaba el papel de un cara dura que tenía engañado a todo el mundo que se acercaba por su lado, desde la mujer que lo consideraba un alto ejecutivo del banco, pasando por los amigos que confiaban en sus consejos y le entregaban su dinero para que lo moviera a su antoja ( aunque le servía para ir viviendo sin dar ni golpe y sosteniendo en pie el engaño) hasta la chica que conoce que la miente con la ilusión de una plaza o una beca de estudios por sus influencias falsas. Ahora toca el tema de los desahucios en tono de musical para protestar por la cantidad de familias arrastradas a la calle por no poder pagar la hipoteca contraída por el banco. Hay varios precedentes de musicales protesta, como por ejemplo ahí esta "Hair" de Milos Forman contra la guerra o "Bailar en la oscuridad" de Lars von Trier para mostrar la ceguera de su personaje principal. La película que tratamos “Cerca de tu casa” arranca con un mendigo y acaba con otro mendigo como muestra del destino de estas personas. Y las mismas imágenes, por desgracia, se pueden contemplar en los informativos de las noticias de cada día. La cinta está plagada de buenas actuaciones Silvia Pérez Cruz

como papel principal muestra un realismo de la tristeza y la desesperación; junto con unos secundarios de lujo, los padres tanto Adriana Ozores como Manuel Morón

les pones ahí y ellos solos ya tiran del carro de la profesionalidad;  y no es para menos Lluís Homar

con interpretaciones múltiples a sus espaldas. Así las cosas, el drama musical avanza para contar las calamidades de los afectados por el pinchazo del globo inmobiliario.

Un monstruo viene a verme*GOYA

Quien no ha rezado o invocado a un ser superior cuando su madre no estaba presente en esos años de la adolescencia que uno se siente en un desierto sin su protectora.  Y Connor, el niño protagonizado por Lewis MacDougall en la película "Un monstruo viene a verme" de J.A. Bayona,

 se encomienda a las fantasías de un árbol que le llevará por la senda de la iluminación. Ese camino no es otro que el de los sentimientos. Todo ello con una puesta en escena maravillosa que es difícil no creerte la historia. Esto y los efectos especiales te envuelven de tal manera que te dejan hipnotizado.  Bayona busca la lágrima fácil del espectador. La película está nominada con 12 Goyas que a buen seguro arrasará en los técnicos, pero el resto pasarán de lejos.