El instante más oscuro

Título original Darkest Hour

Año                2017

Duración        125 minutos

País                Reino Unido

Director           Joe Wrigh

Guión              Anthony McCarten

Fotografía       Bruno Delbonnel

Reparto          Gary Oldman, Ben Mendelsohn,

                       Kristin Scott Thomas, Lily James,

                       Stephen Dillane, Richard Lumsden,

                       Philip Martín Brown, Brian Pettifer.

                       Tom Ashley, Jordan Waltler, 

                       David Olawate Ayinde, Michael Bott

         

Los escalofríos te vienen de pensar la cantidad de muertos que se producen mientras los políticos discuten la estrategia. "El instante mas oscuro" de Joe Wrigh cuenta el momento más asfixiante que sufrieron los aliados en la Segunda Guerra Mundial. Los alemanes avanzan y los aliados retroceden hasta morir en el mar ( el tiempo es el mismo que en "Dunkerque" de Nolan , se solapan en el momento de la historia y en el momento de competir por la estatuilla de los Oscar 2018). En esta cinta se buscan soluciones en la retaguardia de aquellos soldados que huyen de la muerte, mientras que la de Nolan se centra en ese desembarco agobiante que padecen mientras se retiran de Francia. Estamos ante la misma moneda: una, la cara, desde el parlamento, los políticos buscan soluciones a un grave problema; otra, la cruz, la playa francesa llena de soldados que querían huir de la amenaza nazi y muchos perecieron en el camino. Se podría haber hecho una cinta de cuatro horas solapadas con los relatos ocurridos en el frente y otro detrás en los gobiernos aliados. La película está tratada desde el personaje principal que lleva toda la carga interpretativa,

Gary Oldman, que interpreta a Winston Churchill primer ministro inglés. Su carisma con el pueblo y los encendidos discursos lograrían reforzar la endeble situación del momento. La sutileza en los pequeños pero transcendentales detalles en el devenir futuro de la guerra, El rey Jorge VI( por cierto no hay referencia alguna a su tartamudez, tanto hincapié que se hizo en aquella fantástica cinta "El discurso del rey" de Tom Hooper)  elige a Churchill para llevar las riendas de la catástrofe segura.

El hilo invisible

Título original Phantom Thread

Año                 2017

Duración         130 minutos

País                Estados Unidos

Dirección        Paul Thomas Anderson

Música           Jonny Greenwood

Fotografía      Paul Thomas Anderson

Reparto         Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps,

                      Lesley Manville, Richard Graham,

                      Bern Collaco, Jane Perry, Camilla

                      Rutherford, Pip Phillips, Dave Simon

                      Ingrid Sophie Schram.
  
La cinta vislumbra unos pasajes de pasiones desde el primer minuto: “ cada trozo de mí es suyo” comenta la enamorada que recuerda los inicios del idilio.El modista minucioso en su profesión que está completamente metido de lleno en ella y vive su vida por y para la composición de sus trajes. Su profesión es su pasión, pero la relación amorosa debe adosarse a su trabajo de lo contrario surgirán problemas. El flechazo ocurre por casualidad en un bar. El amor llega para quedarse cuando uno no lo espera. La sutileza y la delicadeza del inicio de la relación  marcará las pautas de lo que será una relación intensa, diferente. No se puede escapar la primera impresión sin concertar una cita en ese mismo momento. El flechazo amoroso es tan intenso que la espera no puede posponerse por más tiempo. El dúo que no puede fallar en la composición de un trabajo minucioso ( Daniel Day Lewys,actor, y Paul Thomas Anderson,director,que ya colaboraron juntos en "Pozos de ambición" aquella cinta que narra las peripecias de su protagonista con los pozos de petróleo) En este caso, contruyen "El hilo invisible" donde 

Day Lewys, por un lado,  mantiene una capacidad intacta de incrustarse en los papeles con una dosis de perfección casi insuperable, aquí hace de sastre y nadie diría que no lo es por las maneras de tratar los trajes y de coger la aguja y el metro como un auténtico profesional de su oficio ( ya triunfó con anteriores papeles como por ejemplo en "Mi pie izquierdo" interpretando a aquel personaje con problemas físicos que te deja tieso ante la problemática de unas vidas defectuosas frente a la realidad cruda y dura o en "En el nombre del padre" ( las dos de Jim Sheridan) donde se ve envuelto en la lucha del IRA, encarcelado y maltratado por el sistema carcelario inglés. Anderson, por otro lado,construye mundos retorcidos como por ejemplo en "The master" ( donde veíamos al gran actor desaparecido

Phipip Seymour Hoffman) se mete de lleno en los entresijos de la Iglesia y sus chanchullos.En fin, una cinta de sensibilidades muy especial.

Yo,Tonya

Título original I,Tonya

Año               2017

Duración       121 minutos

País              Estados Unidos

Dirección       Craig Guillespie

Guión            Steven Rogers

Música          Peter Nashel

Reparto        Margot Robbie, Sebastián Stan,

                     Allison Janney, Bobbye Cannavale,

                    Caitlin Carver, Julianne Nicholson,

                    Bojana Navokovic, Mckenna Grace,

                    Paul Walter Hauser, Renah Gallagher,

                    Amy Fox, Ricky Russet, Jeffery Arseneau


La cinta "Yo Tonya" del director Graig Guillespie se inicia desde la distancia del tiempo. Está contada por los propios protagonistas como si se tratara de una encuesta que van justificando ciertos hechos y que aparecen y desaparecen de la imagen para confirmar o desmentir un relato en el que ellos mismos no están de acuerdo. Ese formato de entrevista que relata lo que sucedió, en una forma de comedia negra,le da una cierta frescura y veracidad al relato, porque con la distancia las apreciaciones y las situaciones cambian o más bien los protagonistas ya no lo ven como sucedió en su día y lo explican desde el punto de vista actual. Trata sobre una autobiografía de 

Tonya Harding( trabajo que escenifica Margot Robbie, nominada a los Oscar 2018 como mejor actriz ), patinadora sobre hielo que realizó el famoso salto triple "axel"( el patinador en movimiento salta sobre uno de los filos y cae sobre un pie sin perder la verticalidad), en 1991, famosa gimnasta de los Estados Unidos. La historia contada por los protagonistas se vuelve atrás unos cuarenta años antes. Y vemos nada, más empezar, las piruetas de la patinadora con su corta edad y el fanatismo de su madre,(

Allison Janney nominada por su papel en actriz de reparto) una mujer casposa que fuma, grita e insulta a sus vecinos de asiento porque en el fondo todos son enemigos a batir de su propia hija. La competición de su hija y la superación son los valores que le inculca antes de otro tipo de educación: superar al prójimo, al precio que sea, porque éste es el enemigo a batir. Mientras sucede la relación amoroso suenan temas musicales de la época: Daire Straits "Romeo and Juliet", "GoodbieStranger" de Supertramp, "The Chain" de Fleetwood Mac, "Gloria" de Laura Branigan que todo ello le da un regusto de los años ochenta. En medio, la historia de una exquisita patinadora en un mundo de violencia infantil de penuria donde la protagonista no podía destacar en su vida personal y esto iba a influir en su dedicación del patinaje.En fin, una cinta entretenida, aunque decae al final.

Dunkerque

Título original Dunkirk

Año                2017

Duración        107 minutos

País                Estados Unidos

Dirección         Chistopher Nolan

Guión              Chistopher Nolan

Música            Hans Zimmer

Fotografía       Hoyte van Hoytema

Reparto           Fionn Whitead, Mark Rylance,

                       Kenneth Branagh, Tom Hardy,

                       Cilliam Murphy, Barry Keoghan,

                       Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin

                       Barnard, James D'Arcy, Tom

                       Glynn-Carney, Bradley Hall


"Dunkerque" de Cristopher Nolan ( la película lleva el nombre de la ciudad donde se produjeron los acontecimientos reales que se narran: el desalojo de las tropas británicas, francesas y belgas por la invasión inminente de los alemanes allá por el año 1940,justo cuando las tropas alemanas estaban en su punto álgido de la Segunda Guerra Mundial)

cuenta los momentos de angustia de unos soldados aliados acorralados en la costa francesa. Están pendientes de embarcar porque de lo contrario morirán a manos de los alemanes.Los soldados deambulan en la arena en esa espera imposible, donde lo más seguro es que caiga del cielo una bomba del enemigo y salten por los aires con un montón de arena que será su propia sepultura, ya no hará falta más que unas cuantas paladas para cubrir lo que resta del cuerpo mutilado que todavía asoman. Al revés que en aquella cinta de Steven Spilberg "Salvar al soldado Ryan" donde era un desembarco y victoria de los aliados, pero  ahora un embarque y una retirada. Se vislumbra una masacre o como la última de Mel Gibson "Hasta el último hombre" donde el soldado héroe, que va a la guerra negándose a tocar un arma,  sube a la colina para salvar a los heridos con sus propias manos. Nolan siempre está de parte de la acción. Recordamos aquella película retorcida llamada 

"Memento" donde la memoria perdida reaparece en los tatuajes que lleva en el cuerpo o

 "Interstellar" donde la ciencia ficción fluye por todos sus costados.En fin, puro entretenimiento.

Lady Bird

Título original Lady Bird

Año                 2017

Duración         94 minutos

País                Estados Unidos

Dirección         Greta Gerwing

Guión              Greta Gerwin

Música            Jon Brion

Fotografía        Sam Levy

Reparto            Saoirse Ronan, Laurie Mefcalf,

                         Lucas Hedges, John Karna,

                         Beanie Feldstein, Tracy Letts,

                         Timothé Chalamet, Danielle Macdonald

                          Bayne Gibby, Victor Wolf, Monique

                          Edwards, Shaelan O'Connor, Marielle

                          Scott, Ithamar Enriquez

Greta Gerwin rueda y escribe el guión de "Lady Bird", nominada como mejor película para los Oscar de 2018, ( hace un tiempo que no la veíamos actuar, bueno, sí, en "Mujeres del siglo XX", se supone que estaba inmersa en su nuevo proyecto de dirección) se coloca detrás de la cámara para contarnos una historia ( que bien podría ser la suya propia) de una adolescente que desea saltar de una vez por todas del nido familiar, pero no acierta el momento para ello, ni la empatía con su madre para dar el salto definitivo. Deja ese papel protagonista ( que se lo podía haber reservado para ella misma, pero creo que acierta de lleno en el momento en que se lo pasa a otra actriz con más fuerza) a la actriz

 Saoirse Ronan que destacó en su papel de inmigrante con problemas de mitad del siglo pasado,  en la película "Brooklyn" de John Crowley. 

Su trabajo le valió una nominación para los Oscar del 2015 que no consiguió alcanzar. Ahora vuelve a la carga de nuevo con otra nueva nominación.La historia, como hemos apuntado, va de una adolescente que quiere cambiar el rumbo de su vida. No le apetece lo más mínimo seguir en un instituto casposo y religioso en California y quiere cambiar hacia el otro extremo del país, al Este, allí donde hay más libertad alejado de sus padres. Aparecen las contradicciones de la adolescencia enfrentadas a sus padres, por causas ajenas o propias: la crisis afecta a la familia. El amor hace su aparición y todo ello rueda lentamente. En fin, conflicto generacional a la vista.

La forma del agua

Título original   The Shape of Water

Año                   2017

Duración           119 minutos

País                  Estados Unidos

Dirección          Guillermo del Toro

Guión               Guillermo del Toro

Música             Alexandre Desplat

Fotografía        Dan Lautsen

Reparto            Sally Hawkins, Doug Jones, Michael

                         Shannon, Octavia Spencer, Richard

                  

                         Jenkins, Michael Stuhlbarg,

                          Lauren Lee Smith, David

                         Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly

                       

Las cintas de Guillermo del Toro son mágicas que las vives como si estuvieras metido en el fondo de un cuento mágico, donde todo fluye en forma de fantasía. Ahí están "La cumbre escarlata", caserón que rezuma fantasía por todos los costados o "El laberinto del fauno" donde realidad y ficción ( rememorando una época crítica de la Guerra Civil Española) se unen de una forma espectacular. Ahora llegan las mismas sensaciones en una cinta donde crea un monstruo marino, anfibio,

 que se enamora de una chica con pocos encantos, pero cargada de pasión. Su destreza para crear monstruos y situaciones que te mantengan muy atento son infinitas. Como no podía ser de otra manera, la ambientación y los efectos realizan una función que te abstrae de tu realidad y te mete de cabeza dentro de la historia. Ella es Sally Hawkins

( se enfundaba en un papelito en esa línea de chica ligera de casco en "Blue Jasmine" de Woody Allen, además de una amplia carrera de actriz a sus espaldas 

) realiza un papel de empleada de la limpieza en un laboratorio en tiempos de la Guerra Fría. Su condición de mujer con pocos encantos y sorda no evita que sea sensible y enamoradiza. Su vida transcurre por una monotonía absoluta hasta que aparece la bestia y todo cambia a su alrededor. En fin, del Toro no pierde la ocasión para meter a un monstruo en su historia, en este caso anfibio, en medio de un conflicto político y, al mismo tiempo, enlazar ambas acciones por medio de un hilo conductor amoroso.

The Florida Project

Título original The Florida Project

Año                 2017

Duración         115 minutos

País                Estados Unidos

Dirección        Sean Baker 

Guión              Sean Baker, Chis Bergoch

Fotografía        Alexis Zabé

Reparto           William Dafoe, Brooklynn Prince,

                        Bria Vinaite, Caleb Landry Jones,

                        Mela Murder, Valeria Cotto, Chistopher

                        Rivera, Macon Blair, Sandy Kane,

                        Karren Karagulian, Lauren O'Quin, 

                        Giovanni Rodriguez, Carl Bladfield. 

La historia de "The Florida Project" de Sean Baker ( director de "Tangerine" aquella cinta que sigue los mismos pasos que esta: protagonistas encerrados en su mundo de suburbio donde la droga, prostitución y los personajes perdidos en un mundo de desolación vagan sin rumbo) se inicia en un

 motel de carretera de la periferia  norteamericana y unos insultantes e impertinentes críos escupiendo a un coche recién llegado. A primera vista, los mocosos parecen moverse con total libertad y en medio de la selva, no les importa insultar y maltratar al conductor que aparece por allí. 

Es más, lo buscan con intensidad, con ansiedad como un deseo de fieras con ganas de atacar una presa, sin el menor respeto hacia el adulto ni de las repercusiones que puedan tener posteriormente. Sin embargo, cuando nos asomamos a su mundo, a su nido y descubrimos la procedencia de los infantes ya todo nos parece normal.  Los desvergonzados saltan patios, verjas, ventanas,  sin nada que les detenga hasta llegar a su escondrijo, allí donde el adulto les pueda salvar. Un adulto excesivamente joven y perdido en su mundo cutre como para preocuparse en esas nimiedades. Nos encontramos en un motel de carretera donde el gerente

Willem Dafoe ( nominado al Oscar 2018 como mejor actor de reparto) bastante tiene con solucionar las desgracias que les causan los mocosos que andan sueltos por su recinto.

Estiu 1993

Título original Estiu de 1993

Año                2017

Duración        97 minutos

País               España

Dirección       Carla Simón

Guion            Carla Simón

Música          Ernest Pipó

Fotografía     Santiago Racaj

Reparto         Laia Artigas, Bruna Cusi, David

                     Verdaguer, Paula Robles, Paula

                    Blanco, Etna Campillo, Jordo Figueras,

                    Dolores Forti, Titón Frauca.

"Estiu de 1993" de Carla Simón ( Biznaga de oro en el festival de Málaga de 2017, mejor ópera prima en el festival de Berlín,  varias nominaciones en los Goya 2018 y una larga lista de premios) cuenta el mal trago que pasa una niña, Laia Artigas

( Frida en la peli) de seis años después de morir su madre. Como ha comentado la propia directora en muchas ocasiones, la historia le sale de muy adentro, pues mantiene conexiones personales y autobiográficos.  Todo su mundo se viene abajo y debe afrontar un nuevo desafío en la vida en el momento en que la protagonista queda a expensas de la tutela de sus tíos en una casa de campo. Partimos de imágenes, de sugerencias, de aquello que los adultos no saben o no son capaces de explicar a los niños y éstos lo pueden descubrir por ellos mismos: una maleta hecha encima de la cama que puede indicar cambios drásticos en una vida. El infante es moldeable, puede depender de lo que digan los adultos, porque él no cuenta se debe al destino de los mayores. La muerte hace irrupción en esa vida temprana sin que la niña entienda nada ni que nadie sea capaz de explicar qué sucede y qué es eso de morir y quién ocupará ese espacio que se abre abruptamente ante su vida. Se suceden preguntas sin respuesta que se deben completar solas. La cámara es una continuidad de los dos ojos gigantes de la niña, expectantes ante los nuevos acontecimientos. Es la visión de la pequeña que no cesa de dar vueltas a su nueva situación. Se suceden las imágenes rurales y un David Verdaguer 

personaje secundario que se mueve en ese mundo rural como pez en el agua. Encontramos aspectos muy cuidados que nos indican la fecha y el momento en que nos encontramos: como las fiestas de Sant Juan y los petardos en la calle, la camiseta del Coby, la mascota de las olimpiadas de Barcelona 92. La huida hacia aspectos que nada tienen que ver de la realidad de la niña son constantes como por ejemplo cuando dice que el problema está en el rizo de su pelo, cuando lo que pretende es llamar la atención o el hecho de no querer atarse los cordones de los zapatos. Son manifestaciones de rechazo hacia una situación que no desea vivir, pero que en el fondo le ha tocado y no tiene más remedio que aguantarse. Por momentos, recuerda "El espíritu de la colmena" de Víctor Érice con la niña Ana Torrent como protagonista que se ve representado en está cinta con sus comentarios inocentes en voz baja.

Abracadabra

Título original Abracadabra

Año                2017

Duración        96 minutos

País               España

Dirección       Pablo Berger

Guión            Pablo Berger

Música          Alfonso de Vilallonga

Fotografía     Kiko de la Rica

Reparto         Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota

                      Quim Gutierrez, Priscilla Delgado, Saturnino García

                      Ramón Barea, Javivi, Julián Villagran, Rocío Calvo 

"Abracadabra" persigue la vía del esperpento de la vida anodina y rutinaria de una pareja que se ve alterada por una serie de acciones de hipnosis que cambiarán las situaciones y la relación de pareja. La cinta se sitúa entre el tremendismo alocado de Álex de la Iglesia y las primeras pelis esperpénticas de Almodóvar( Ahí queda el guiño al taxista de "Mujeres al borde de un ataque de nervios" en aquella ocasión Montesinos al volante, ahora Ramón Barea. Ahí está Antonio de la Torre ( nominado en los Goya 2018 como mejor actor, siempre está en las quinielas)

, fanático futbolero y machista, como salido de "Balada triste de trompeta" de de la Iglesia. A su lado José Mota ( nominado en los Goya del 2018 como mejor actor de reparto)

( él es vigilante en unos grandes almacenes y ese momento especial cuando se encuentra espiando a una futura ladrona de un producto. Parece un "sketch" de los que realiza en su programa televisivo)  en un papel parecido a "La chispa de la vida" .Pablo Verger, el director, retrata especialmente los saraos de bodorrios y muestra esos tics humorísticos de las vidas cotidianas con acierto. Sus obras son especiales, ya lo fue su "Blancanieves"  de la mano de Maribel Verdú, nominada en los Goya de 2018 como mejor actriz principal(

excelente siempre allí donde aparece), obra muda y en blanco y negro que tuvo la desgracia de estrenarse al mismo tiempo que "The Artis" de Michel Azanavicios con el mismo enfoque y quitó parte de su brillantez o la anterior "Torremolinos 73"donde un matrimonio, Candela Peña y Javier Cámara encuentran un chollo en el mundo porno. Después de todo lo comentado, se puede apreciar que estamos ante un tipo de cine especial para retinas que aguanten todo lo que le echen.La cinta discurre dentro de los cauces de una hipnotización. En primer lugar, el personaje está inmerso en ese mundo de la hipnosis que es el hilo conductor, pero, en segundo lugar, se encuentra otro tipo de hipnotización muy personal que se trata de los temas musicales que suenan de fondo: "Abracadabra "de Steve Miller Band para certificar que nos encontramos en los años ochenta donde las discotecas recogían a los jóvenes con ganas de marcha; el "Tubular Bells" de Mike Olfield; guiños a las películas míticas como la entrada de la película 2001 odisea en el espacio de Kubrick con la famosa "Así hablo Zarazustra" de R Strauss; o para finalizar el baile apoteósico entre los actores con la banda sonora de "L'm mot in love" de 10 cc .  

Selfie

Título original Selfie

Año                2017

Duración        85 minutos

País               España

Dirección       Víctor García León

Guión             Víctor García León

Fptografía       Eva Díez

Reparto           Santiago Alverú, Macarena Sanz,

                        Javier Carramiñana, Alicia Rubio,

                        Pepe Ocio.

La cinta empieza como un falso documental, al estilo de "Rec" de Jaume Balagueró, pero con un fondo argumental muy diferente. Nada de terror ficticio, sino un terror de lo más real: el choriceo político como fondo argumental. Muestra la realidad de una familia donde el padre es un político corrupto y el hijo intenta justificar su inocencia. "Selfi" de Víctor García León ( ese director que ha necesitado once años para volver a rodar otra película después de la fantástica "Vete de mí", una cinta donde Juan Diego ganaba el premio a mejor actor en el festival de  San Sebastián en 2006 junto a Juan Diego Botto  en el papel de padre e hijo con sus neuras y disputas generacionales) supone contar hasta las tripas la vida de una familia bien, siempre conducido por el hijo que muestra su vida y la forma de vivir de su familia. 

Bosco, Santiago Alverú, nominado a mejor actor novel en los Goya 2018, es el extraterrestre caído del cielo que observa el comportamiento de los diferentes grupos humanos que habitan el planeta. Se comporta auténtico extraño venido del más allá en un mundo que le rodea completamente loco y desmadrado. Realiza un pequeño recorrido por ese mundo de la política

 Él es parte implicada pero vista desde la distancia desde el "Selfie"largo  que dura ochenta minutos. En fin, habrá muchos espectadores que se preguntarán ( pasados unos minutos), pero esto de qué va. Pues nada, el que piense así que se apee de la visión y el que logre entrar en esa crítica corrosiva del mundo actual, pues que siga con ella: cuestión de gustos.