"El prodigio" de Sebastián Lelio ( director chileno que tiene en su haber la realización de la películas "Gloria" señora de una edad avanzada que sale de farra para encontrar el amor; "Una mujer fantástica" que cuenta las miserias de una mujer transexual) se detiene en la región rural de Milands ( Irlanda) en el siglo XIX.
En ese pueblo, los habitantes quieren certificar que una niña de once años lleva cuatro meses sin comer y está perfectamente, para ello llevan a una enfermera y una monja que harán turnos de ocho horas para comprobar que vive sin tomar alimento alguno.
Florence Puig ( interpretó el papel de "Lady Macbeth" de William Oldroyd donde los amores por un joven en una casa rural, daba la espalda a su anciano marido y se desata un drama feroz), realizará el personaje de enfermera que, después de comprobar que su estado de salud es envidiable, comenta que no entiende lo tarados que están en ese pueblo porque es evidente que la niña come a escondidas.
Sin embargo, le comentan que ella deberá cuidar de que eso sea cierto. Así, pasa los quince días al cuidado y observación del misterio o embuste. Por lo tanto, es un trabajo fácil de ganar, porque se ve a las claras que hace trampa. La locura de los fanáticos del pueblo llegan a tal extremo de locura que la protagonista toma cartas en el asunto para salvar de la muerte a la niña.
"Un hombre de acción" de Javier Ruíz Caldera ( en su haber películas de poco calado como "Anacleto agente secreto" o "Superlopez" siempre busca unos actores con cierta consistencia que le dan empaque, pero deja poco calado, sobre todo en esta historia que daba para mucho más ) profundiza en la figura real de
Lucio Urtubia, albañil y residente anarquista, considerado el Robin Hood moderno: entregaba una parte de la pasta que robaba a los bancos para los pobres o la causa anarquista. Eso le da un interés especial. Aunque se podía haber aprovechado mucho más. Cuenta, a rasgos generales, los inicios en su pueblo natal Cascante de Navarra, el momento en que su padre, republicano y rechazado por la sociedad, pues arranca poco después de la Guerra Civil española, sufre de dolor y su hijo, el protagonista, no puede comprar morfina para paliar ese sufrimiento. Ahí empiezan sus inicios como atracador de un banco por una causa justa.El papel lo protagoniza
Juan José Ballesta, aquel niño que protagonizó "El bola" de Achero Mañas. Marcha a París con su aspecto de cabrero e intenta buscarse la vida de albañil. La persona es de poca formación y lo enchufa su cuñado en una obra, pero él es dado a quejarse de todas las injusticias, no puede aguantar que lo manden y lo insulten a cada momento.
Luis Calleja es el capataz que pronto lo pondrá a prueba con sus bromas subidas de tono, pero lo reunirá para la lucha contra las desigualdades sociales. Allí conoce al anarquista Quico Sabaté interpretado por
Miki Esparbé que lo introducirá en la lucha armada. Ese elenco importante de actores y la historia interesante mantendrá al espectador alerta, pero las perspectivas iniciales se van diluyendo. En fin, se podía haber sacado mucho más provecho de una historia real que daba para un relato apasionante.
Las imágenes de "Utama" ( Nuestro Hogar ) de AlejandroLoayza Grisis (premio del Público en el festiva de Sundance de 2022) se clava con intensidad en la pupila por la rudeza rural del basto campesinado de la zona del altiplano boliviano. Recuerda en cierta manera a aquel matrimonio abocado a la desaparición, porque ya nadie quería vivir en aquel lugar de aquella película peruana de Óscar Catacora llamada "Wiñaypacha". Ancianos ofuscados en agarrarse a una tierra que ya no da suficiente para vivir a una edad que ya no se tienen fuerzas. Aquí, también la edad y el abandono de los hijos hace estragos en la población. Conviven él, interpretado por José Calcina y su mujer, por Luisa Quispe, en absoluto silencio y cuando hablan lo hacen en aimara la lengua de sus antepasados que ha resistido en el tiempo, hasta saber cuando, seguramente hasta que ellos desaparezcan, junto a un rebano de llamas encerradas en un cobertizo hecho de piedras.
En ese desierto todo es austero: las paredes de barro, los espejos son trozos de cristales, los cacharros de cocina están descantillados. El paso del tiempo se hace notar en ese ambiente.
Se preocupan del día a día y hablan de las cosas cotidianas: "volverás pronto de sacar a las llamas porque hemos de sembrar". La acción transcurre en el quehacer rural y diario de esa pareja. Observamos precariedad en los movimientos, personas que malviven en un medio hostil, sin agua ni recursos de subsistencia, pero llevan la costumbre de sus antepasados como una mochila a cuestas y jamás la abandonarán por mucho que llegue un invitado nuevo: el nieto que quiere, por todos los medios, arrastrar a sus abuelos hacia una zona más confortable. Pero su medio es este y la ciudad sería, por mucho confor que hubiera, el enemigo.
Sin embargo, el chico, no lo conseguirá porque ellos vivirán y morirán allí donde lo hicieron sus antepasados. En definitiva, son personas mayores que viven al margen del mundo mantienen el mismo semblante rústico del entorno y no les importará su destino, porque sienten el peso de los años como una losa que los va enterrando poco a poco y eso justo es lo que quieren: perecer por siempre en ese lugar.
"Cuando tú quieras" de Richard Wong viene a ser más de lo mismo. Es un espejo de "Hasta la vista" de Geoffrey Enthoven donde tres veinteañeros discapacitados quieren perder la virginidad. Todo ello se desarrolla en medio de una comedia, siempre con bromas y chistes sobre su condición de discapacitados. Ese tema tan manido del personaje perdedor como pasaba en "Intocable" de Olivier Nakache, "Campeones "de Javier Fesser o "Las sesiones" de Ben Lewin donde un tetrapléjico se echa en manos de una profesional del sexo. No aporta mucho más de las anteriores.
Busca la risa fácil en esa condición física de no poder realizar las cosas tan sencillas como el movimiento de su cuerpo por los espacios.
Siempre necesitan de esa ayuda que rechazan constantemente porque se sienten autosuficientes y las ayudas los dejan en muy mal lugar. En esa vida plagada de dificultades se quiere llegar a la normalidad imposible.
"El triángulo de la tristeza" ( Palma de Oro de Cannes 2022, Ruben Ostlrund, su director ya se ha especializado en ganar este premio, pues ya lo hizo anteriormente con la insulsa "The Square") pretende cebarse en las desigualdades de sexo o las sociales. Lo hace de manera contundente pero con poca claridad, como que debe dar más argumentos para solidificar esa teoría suficientemente explicada. Así, por ejemplo, a la hora de pagar en un restaurante, un chico argumentará que siempre paga él y no entiende por qué debe ser así, pues la igualdad debería implicar que ella pague también. El director quiere crear enfrentamiento y conflicto de temas muy manidos.
Lo hace de forma insistente sin aportar nada nuevo en esa repetición del mismo argumento.De la misma forma lo hacía en su anterior película "Fuerza Mayor" donde un marido cobarde huye en una avalancha de un alud y descuida a su familia mientras cenan en la terraza del hotel. Ese impulso de salvación por salir en busca de la vida y descuidar a sus seres queridos le perseguirá como afrenta en el resto de sus actuaciones, con amigos u otros familiares, pues quedará grabado en la pareja.
Aquí, la pareja es joven y saca a relucir esos aspectos que enfrentan la relación. Han triunfado en las redes sociales, pues son modelos de fama mundial. posteriormente, sucederán aspectos parecidos de marginación social en un crucero y se intensificarán las diferencias. Sin embargo, sucede al revés, después de un naufragio, porque, en esas condiciones, quien tiene el poder es aquel que tiene más capacidad de sobrevivir en una isla sin nada. Los ricachones no están preparados para sobrevivir en un medio donde solo hay naturaleza y de nada sirve el dinero. Por eso, en definitiva, se intercambian las posiciones sociales y el mando en esa isla cambia de poder.
Necesitamos cinco minutos para enterarnos de la presentación del personaje principal,
interpretado por Virginie Efira ( la actriz de "Benedetta" de Paul Verhoeven, película de época con la tendencia hacia lo místico, la pasión, el amor. ) está en el final de una clase de secundaria, luego es profesora, final de una reunión de equipo docente, pero la trama nada tiene que ver con su profesión. Posteriormente, es trasladada en coche con su ex marido, siempre a cargas con una guitarra que es donde ensaya música. A la salida de ese lugar, parece que ya le ha echado el ojo a un tipo que también toca la guitarra y vemos que la intención de ella es de ligar con él. Intenta saber su destino, por si la puede acompañar y luego surge, así de pronto, tomar una copa y posteriormente un beso largo, profundo.
Se ha iniciado una relación. La cama los espera en esa casa nueva donde hay fotografías de niños y personas extrañas que ella rastrea después de la pasión. Entendemos que es un personaje que busca comprensión, busca un ligue para tener descendencia. Esa es la propuesta inicial de "Los hijos de los otros" de Rebecca Zlotowski.
El cine social siempre tiene repercusión en el espectador. Pretende mostrar la marginalidad de ciertos colectivos y abrir los ojos del espectador hacia una realidad que en muchas ocasiones pasa desapercibida. Por ejemplo, los trabajos de Ken Loach son una muestra clara de una filmografía cargada de temas marginales de la sociedad. En este caso, con "Tori y Lokita", los hermanos Dardenne parece que se decanten hacia ese espacio donde los protagonistas se mueven en el mismo borde del precipicio. Así, ocurría, por ejemplo, en "Dos días, una noche" donde su protagonista, interpretado por Marion Cotillard, luchaba contra la decisión de su empresa que la había despedido injustamente; "La chica desconocida" aquí una pequeña duda puede dar al traste con una carrera profesional; " El joven Ahmed" trata el tema del radicalismo islámico en el cerebro de un niño." Tori y Lokita" ( premio del público en el Festival de Sevilla 2022) interpretados por unas noveles actores,
Mbundu Joely en el papel de Lokita que interpreta a una joven adolescente recién llegada a Europa en busca de papeles; Tori interpretado por
Pablo Schils, joven que es acogido por ser menor de edad. Los dos jóvenes son compañeros de patera y buscarán engañar a las autoridades y convencerles de que son hermanos. Esa situación de ilegalidad acarrea presiones constantes sobre los personajes, pues deben subsistir y además conseguir dinero tanto para su familia del extranjero como para las mafias que han conseguido llevarlos hacia esa tierra de prosperidad y trabajo. Esa necesidad de conseguir dinero los llevará hacia el mundo de la droga, por lo tanto, se ven abocados a ser camellos que trapichean con la droga. En definitiva, se ven las vicisitudes penosas por las que pasan esos adolescentes sin rumbo ni futuro en sus vidas.
"LonginG" de Savi Gabizon trata sobre el tiempo, retomar el pasado para solucionas unos temas pendientes. Se inicia con el encuentro de dos conocidos que fueron novios hace veinte años. Ella le cuenta que tiene muy poco tiempo y enseguida se echa a llorar amargamente. Le cuenta que nada más dejarlo, lo suyo, había quedado embarazada de él. Adam es el hijo que no conoce ni conocerá porque hace poco tuvo un accidente y murió. El protagonista, Ariel, interpretado por
Shai Avivi( protagonista de "Siempre contigo" de Nir Bergman que está relacionada con esta película pues también hace de padre tolerante y al borde del caos porque le quieren quitar a un hijo con problemas de discapacidad cerebral) es el padre que inicia una búsqueda de lo desconocido de ese hijo que nada sabe y que ahora ya no podrá conocerlo, pero intentará salvar su prestigio de una muerte por amor o por culpa de terceros debe hacerse responsable. Al final, después de tocar varios temas, hay ciertos parecidos con
"La boda de Rosa" de Iciar Bollaín donde una chica quería casarse pero de una forma diferente: consigo misma. Aquí sucede algo parecido con personas ausentes que ya no pueden opinar ni decir la verdad de lo que sucedió. En fin, esa ausencia del hijo desconocido genera dudas, contradicciones que el protagonista intentará restablecer.
Necesitamos cinco minutos de metraje para saber el tema central: dos adolescentes que juegan y se pasan de rosca, tirados en la cama viendo un video porno que se sugiere por medio de los gemidos. Posteriormente, en una casa burguesa que evidentemente no es de ellos, beben alcohol de la boca de una botella y revientan copas en el suelo con la intención de divertirse destrozando el mobiliario. Hablamos de "La Maternal" ( el título se refiere a la casa donde acogen a aquellas adolescentes que tuvieron un embarazo traumático y ahora se intenta recuperar esa condición de mujer libre que perdieron en su día) que muestra a un grupo de niñas madres que deben cuidar de unos bebes que no están preparadas para eso. Esos niños recién nacidos cuyas madres son incapaces de hacerse responsables porque ellas mismas son crías recuerdan a aquel bebé de "Trainspotting" de Danny Boyle que gatea entre unos padres borrachos y drogados que se revuelcan por el suelo con el peligro de la muerte al lado de ese bebe. Ese momento de diversión e irresponsabilidad de las madres lo pagan los bebés recién nacidos que nada saben de las desgracias de esas madres internadas en un recinto porque son incapaces de cuidar a sus hijos ya que son menores. Pilar Palomero, directora de "Las niñas " con cantidad de premios a sus espaldas sigue con la temática de las adolescentes y sus problemas sociales. Allí, mostraba esa inocencia de la recién llegada a una escuela y su relación con las compañeras de colegio; aquí sube la problemática de violencia en esa adolescente,
Carla Quílez, de catorce años que insulta con su boca a todo aquel que se le acerca, pues no puede contener la rabia de su condición. de madre irresponsable. Esa familia rota donde la madre ( interpretada por
Ángela Cervantes que salía en aquella cinta "Chavalas" de Carol Rodríguez) pasa completamente de que su hija vaya o no al instituto y su relación es tóxica. Así, la violencia está siempre presente en sus vidas. Carla recibe la noticia de que está embarazada de varios meses y que no puede interrumpir el parto y, dada su situación personal, debe ingresar en un centro especial. Allí, ese grupo de adolescentes que están todas ocupando un lugar de madres que no les corresponde cuentan sus experiencias y sus amores frustrados.
"The Nest "de Sean Durkin ( director de la película "Martha Marcy May Marlene" donde una joven está confusa en su nueva situación después de abandonar una secta, esa reinserción a la vida normal mostrará las dificultades con que se encuentra la protagonista con el mundo), en este caso, relata la ambición desmedida del protagonista Rory, interpretado por
Jude Law, el cual sueña con una vida mejor, un triunfo profesional que no acaba de llegar, pese a tener una condición acomodada, él quiere más. En ese viaje se encuentra en contra su mujer, interpretado por
Carrie Coon, la cual no lo ve tan claro y se niega a acompañarlo, pero no tiene más remedio que, con el tiempo, ceder a esos caprichos de grandeza.En cierta manera recuerda a "Revolutionary Road" de Sam Mendes donde una pareja DiCaprio y Kate Winslet discuten dentro de su matrimonio por abandonar su vida y su trabajo para conseguir otra mejor, aunque sea lejos y no se sepa el resultado final.
Ahora, el matrimonio con dos hijos marchan de Estados Unidos a Reino Unido y abandonan esa posición cómoda para explorar nuevos negocios rentables que les va a llevar a una vida de ensueño. Una vez llegados a su nuevo domicilio, quiere nadar en la abundancia y tiran la casa por la ventana en un alquiler de una gran mansión sin saber si todo es una realidad, un mero sueño o un capricho sin consistencia. En definitiva, el proyecto acarreará multitud de problemas.
