El director de cine Didier Barcelo reúne dos personajes desesperados y contradictorios y en torno a ellos construye una historia dentro de un coche. "En caída libre" se sostiene por medio de esa persona que tiene una enfermera desesperada que entra en crisis, sin que sepamos más pistas, ya sea por su trabajo nocturno o su desesperada vida. Lo cierto es que arranca con ese personaje, interpretado por Moarina Fois
( que realizaba el papel de esposa del maldito personaje que se obstinaba por vivir en el campo gallego y se topaba con el ambiente hostil de los habitantes de esa zona en "As Bestas") desaliñada y harta de dejar el coche mal aparcado y ganarse una multa diaria, se ve forzada, por cambiar el auto de sitio ya que el urbano le insiste de que se pire del lugar prohibido, a subir a él y , por no encontrar aparcamiento, aunque detrás se esconden otros traumas y ansiedades, entra en una especie de pánico o ansiedad que ya no podrá salir del automóvil. Luego, por si no fuera suficiente la desgracia, se siente maltratada por otro personaje que entra en acción y que quiere robar su propio coche mientras ella está dentro. Así las cosas, escapan por la carretera, ella atada y medio secuestrada y él con intenciones un tanto asesinas. En fin , se desarrolla como una "!road movie" y esos dos colgados se van contando sus vidas.
" A un millón de millas" de Alejandra Márquez Abella ( cuando aparecen dos películas en un periodo de tiempo corto con una trama parecida que parece que se pisan una a otra, como ocurrió con "El sexto sentido" de M. Night Shyamalan y "Los otros" de Alejandro Amenábar donde el tema de los protagonistas que están muertos es el hilo conductor de las dos, entonces puede que pierda fuelle la una y la otra) se acerca a ese niño que está obsesionado por el espacio y desde su niñez, justo se sitúa en el momento del lanzamiento de la primera nave espacial a la luna. Se nos viene a la cabeza la cinta de dibujos animados con la misma temática del director norteamericano Richard Linklater "Apolo 10 y medio: una infancia espacial". Sin embargo, hay diferencias sustanciales que hace que el interés por ésta no decaiga. Primero, los protagonistas son humanos y segundo, el enfoque de estos se hace desde la mirada del lado mexicano, pues ellos son inmigrantes que pasan la frontera a trabajar de jornaleros. Por tanto, la anterior es una muestra una familia media acomodada de la época, en cambio, ésta se detiene en unos niños que deben dar el cayo en el curro al mismo tiempo que intentan estudiar. Luego, tanto las diferencias económicas de las familias son abismales.
Además, las creaciones, aunque son parecidas, pueden ser proyectos que duran años de hecho una de las guionistas, Bettina Gilois, murió hace tres años. En fin, está bien verlas seguidas para apreciar las diferencias sociales y el modo de vida diferencial. Las dos tienen su estilo especial y es interesante diferenciar una sociedad norteamericana, la anterior, donde el padre está bien situado en la misma NASA, en cambio, la del otro lado, la mexicana, la que nos ocupa en este momento, se ven obligados a salir de su tierra para ganarse la vida con sus manos y trabajar duramente en la agricultura. Pero el desarrollo posterior se parece, por la capacidad de lucha del protagonista que no hay que perder de vista que es un hecho verídico y real, a "Figuras ocultas"de Theodore Melfi, en aquella ocasión tres mujeres negras irrumpían en la NASA para ser objeto de vejaciones constantes hasta que se dan cuenta de que son más válidas que el resto de personal. El inicio parece un tanto oportunista con una canción que engancha como es el caso de "California Dream" de The Mamas and the Papas, pero la realidad es que la historia entronca con la música, pues ese personaje, interpretado por el actor
Michael Peña, persigue un camino deseado de tranquilidad y arranca su vida de trasiego inmigrante por los campos de cultivo de California siempre lleva de la mano la obsesión de ser astronauta desde la infancia. Pasan los años, ya se ha hecho adulto, graduado ingeniero en la universidad y echa la solicitud para ser aceptado dentro de la NASA hasta más de diez veces con resultados negativos. Cuando entra, al fin, se encontrará con ciertas discriminaciones por su procedencia.
En definitiva, la historia gana enteros porque está sacada de la realidad y del libro "El cosechador de estrellas" de José Hernández donde cuenta a modo de autobiografía su propia historia que consiguió ascender al espacio en la misión STS-128.
Título original A Million Miles Away
Año 2023
Duración 122 minutos
País Estados Unidos
Dirección Alejandra Márquez Abella
Guion Añlejandra Márquez Abella,
Bettina Gilois: libro "El cosechador de estrellas"
Las primeras imágenes nos llevan hacia una tienda donde confeccionan vestidos y sienten la suavidad de sus telas. La delicadeza con que se mueven los tejidos y el metro colgado del cuello del primer personaje que aparece ya nos lleva hacia el lugar en que se desarrollará la acción. Allí, donde se venden caftanes ( prenda típica de Marruecos) se desarrollará la trama. Halim, interpretado por
Saleh Bakri y Mina, por
Lubna Azabal ( actriz de largo recorrido que salía en "Incendis" de Denis Villeneuve, posteriormente en "Paradise Now" de Hany Abu-Assad) son el matrimonio que regenta el establecimiento de una sastrería durante muchos años, pero ahora han contratado a un a persona, Josep, que les ayudará en las tareas. Hablamos de "El caftán azul" de Maryam Touzani quecuenta con sensibilidad y sencillez ciertos matices discordantes en el seno de ese matrimonio. Todo ello rodeado del trabajo minucioso de los bordados en los trajes y las constantes disputas con las clientes marcarán el ritmo del trabajo y de la trama.
Pero la intrusión de ese joven aprendiz cambiará completamente la relación de esa pareja. Pese a la insatisfacción sexual del matrimonio, pues parece que ella está al margen de las prácticas homosexuales de su marido y cuando lo busca en la cama encuentra el rechazo como respuesta, sin embargo, con todo, sobresale la relación íntima y natural entre la pareja. Todo ello fluye junto a la religiosidad y el ambiente cultural marroquí que lo impregna todo y le da un tono especial: sus calles, sus entierros, el canto que se cuela por la ventana mientras rezan de rodillas en la habitación. Impera la sencillez de las acciones y se puede ser feliz junto a las adversidades que da la vida que son muchas y diferentes. En fin, el matrimonio entrará en declive por culpa de ese nuevo individuo que se ha insertado en medio de la pareja.
El director, Kristoffer Borgli de "Sick of Myself" ( Harta de sí misma) quiere jugar con el recurso de la empatía hacia los demás. Se plantea el dilema de la ayuda a los otros y del saber estar en una situación compleja. Así, muestra, en el arranque de la acción, una pareja que come y bebe un vino de miles de euros, en el cumpleaños de la chica y que tramará hacer un "simpa", es decir, escapar corriendo con la botella debajo de los brazos y sin pagar. Buscamos la comprensión de la imagen y la vemos en el camarero que va corriendo detrás, puede que se haya jugado una parte del sueldo o incluso su despido. Esa chica cómplice,
Kristine Kujath Thorp ( aquella actriz de "Ninjababy" del director Yngvild Sve Fikke que hablaba de las posibilidades de entregar su bebe, todavía en su vientre, a una familia acomodada porque ella no lo deseaba) que se ha hecho la despistada y ha huido simulando una llamada de teléfono trabaja también en un bar. Ella misma observa, en un ataque de un perro a una cliente, como las personas pasan de ayudar a una persona moribunda en el suelo, en cambio ella responde positivamente. Dicho esto, podemos ver que dependiendo del momento en que ocurran los hechos, puede haber o no empatía con las personas. Sin embargo, lo que realmente nos quiere mostrar es la insatisfacción de una chica con su propia vida y con el mundo entero. De tal manera que busca sin sentido alguno "autodestruirse" y tomar pastillas que degeneren su figura y su estado anímico. Con ello conseguirá descaradamente la atención de los otros, pero desde el lado de la lástima cuando ya se ha destrozado por completo. Finalmente, rechaza su propio ser y necesita destruirse.
Las primeras imágenes de "Viejos" de Raúl Cerezo me llevan hacia una película de terror. Te transporta a esa zona donde todos caeremos a no ser que la palmemos antes. Se centra en esos ancianos que seremos y están a un paso de irse al otro barrio. Están solos en una casa llena de recuerdos, de cuadros colgados de la pared, de crucifijos, de una vida que no volverá jamás. Todas esas reliquias inútiles que han ido almacenando en un tiempo y que pronto irán, cuando se queden tiesos y lleguen los herederos, al contenedor de la basura. Esa anciana que a cada paso que da comete un error, porque le patinan las neuronas. Su cabeza ya no controla las acciones: un grifo abierto, una cafetera que suena, una radio que se apaga quitando las pilas, porque ya no sabe la manera de desconectarlo. Todo es difícil, imposible en esa casa de dinosaurios del pasado. La cámara se recrea de manera excesiva en ese momento de decadencia. Todo ello con aliño de la música de Machín: "espérame en el cielo" Muestra el terror de la decadencia humana cuando una persona se hace viejo. Así, habla de la muerte de un anciana y el marido, protagonizado por
Zorión Eguileor ( protagonista de "El hoyo" de Galder Gaztelu Urrutia )y se queda solo porque los hijos,
Gustavo Salmerón ( actor que empezó a conocerse por "Mensaka" de Salvador García Ruíz) por mucho que quieran recoger a esa escoria descarriada, no quieren o no pueden o les importa un carajo. En parte, lo hacen por aparentar, por puro sistema. Él, el anciano, entiende que lo detestan por su condición de viejo y sabe que no es nada querido. Por eso, se quiere ir a su casa, a morirse en soledad, sin molestar a nadie. Recuerda, en cierta manera, a "Amor", salvando las deferencias, evidentemente, de Michael Haneke donde una pareja de ancianos caen de golpe en la tortura de verse discapacitados de sus facultades. Todo ocurre de un día para otro: están bien, pero el hecho de ser viejo, pronto aparecerá la desgracia, una caída, una enfermedad terminal. Pero, en este caso, en cuanto pasa el tiempo, vemos que la situación se desmadra demasiado hacia territorios macabros, sangrientos. No es necesario recurrir a fenómenos paranormales de sueños o apariciones para darle más terror, con lo que da de la realidad de los ancianos ya era suficiente.
En definitiva, es el terror de la propia vida que le añade factores macabros, puesto que los caretos de los ancianos dan juego para ello. Es una película para pasárselo francamente mal en esa casa del terror que parece la misma o similar que la de "Rec" de Jaume Balagueró. No te llenará de alegría ni siquiera de ánimo para pasar el día.
La acción se desarrolla en Lahore, Pakistán, quinto país más poblado del mundo y lo vemos por la cantidad de componentes de la familia que se mueven juntos en el mismo hogar. Todos revueltos por la casa y, eso no es todo, más familiares que están en camino. Todos ellos, viven arremolinados en sus propias tareas como una gran comunidad que está dominada bajo la batuta del anfitrión de los Rana que así se denominan.
Esa persona dice y manda a sus hijos lo que deben hacer y no pueden echarse atrás por mucho que no les apetezca realizar cualquier tarea como cortarle el pescuezo a una cabra que ronda por la casa y debe ser sacrificada porque acaba de nacer otro bebé y hay que cubrir las necesidades alimenticias. No está el matarife, pero debe realizarlo uno de los hijos. En ese ámbito de cultura local se mueve la película "Joyland" (premio del jurado en el festival de Cannes 2022) del director Saim Sadiq, el cual se apoya en primeros planos de los caretos de los actores para mostrar el dolor o la alegría de estos. El director es capaz de captar al mismo tiempo las diferentes actividades de los personajes en un solo plano secuencia y todo ello aparece a la vista con naturalidad. La realidad de la casa familiar junto a la de la ciudad hace que sea fresca, porque muestra las tradiciones en la casa y en la calle, las costumbres y tiene un aire de veracidad.
Allí se cuece el drama del padre cacique que insiste para que llegue ese varón deseado y salve la descendencia de los Rana. La historia se complicará a partir de una relación amorosa entre un bailarín trans y el hijo pequeño del clan.
Leemos la tapa resumen de un libro y abandonamos. Siempre nos fiamos de ese crítico que se ha empapado tochos por un tubo. Esa maldita sinopsis nos puede reventar una película. Si leemos: "un taxista va a buscar a una anciana para llevarla a una residencia, pero le pide que la acompañe por ciertos lugares de su pasado". La verdad, nos puede echar hacia atrás y ni siquiera darle una oportunidad. En cambio, si varios críticos coinciden( muy entendidos ellos) en dejarla en buen lugar, pues ya es motivo para echarle un vistazo. Se supone que algo interesante habrán visto para darle buena puntuación. De entrada, apreciamos nostalgia en los primeros minutos de alguien que está en su tramo final de su vida y debe abandonar el lugar donde ha vivido todo su tiempo. Ya no puede seguir sola allí en ese caserón y debe abandonar. Por eso, en un inicio, puede tirar para atrás con ese inicio de "Un paseo con Madeleine" de Chistian Carion interpretada por esa actriz,
Lina Renaud, que le imprime fuerza y delicadeza, sensibilidad, ironía y carcajadas a su situación patética Esa ausencia del lugar es un abandono de sí misma, puesto que deja atrás infinidad de recuerdos almacenados en esa casa. Eso por parte de la anciana, en cambio, su taxista,
Dany Bonn, de media edad, que viene a llevarla a la residencia no se plantea la vida desde el mismo prisma, quiere ganar una pasta rápida, déjate de contar historias de una vida y a otra cosa mariposa. La relación entre los dos no acaba de ser muy empática. No tienen nada en común, pues, en parte, los viejos ya no tienen nada más que contar y deben apartarse a nuevas generaciones. Esa es la primera imagen que él ve. Ese recorrido en taxi por los lugares que ella vivió recuerda en cierta manera a "Querido Diario" de Nanni Moretti que se paseaba por Roma con una vespa con el repaso de aquello que es cotidiano. Con la imagen mítica del propio Moretti en la barra de un bar y frente a una televisión de la época bailando
"El negro zumbón" que se emite por la pantalla en blanco y negro por Silvana Mangano. Aquí la relación entre los dos es un tanto áspera: ella que quiere conversación y él que no la quiere. La anciana comenta su pasado (recuerda en cierta manera, por su historia desgraciada con su hijo, a aquella actriz que la arrebatan a un hijo y lo pierde sin ser capaz de disfrutarlo en la película "Philomena" de Stehhen Frears con diferentes temáticas una de la otra) repasa encima del taxi, aquellos momentos cumbres de su historia. Los caminos que debe tomar en su vida y que se bifurcan. Así, esa señora al final de su vida, mantiene buen ánimo y una actitud positiva, pero, como muchas mujeres, cuenta que después del amor también las "pasó canutas" con el desprecio de un machista. Finalmente, después de un día entero dando vueltas llegan a la residencia en busca de un final dramático que se ve llegar de lejos.
"Los asesinos de la luna" de Martín Scorsese no es un western tradicional. No veremos vaqueros enfundando una pistola y a caballo defendiéndose de los indios malos que cabalgan en círculo ante un parapeto de carros volcados en medio del desierto. Ni diligencias perseguidas por los pieles rojas que lanzan flechas sobre la frente del blanco que antes escupió el polvo sobre el desierto. Esos indios siempre salvajes que quieren cortar la cabellera de los blancos. Nada de cortarlas a los blancos, con sus navajas afiladas mirando al cielo, siempre interpretado como barbarie y no como un acto religioso para facilitar que el alma salga del cuerpo al más allá y no se atormente en la Tierra.Tampoco encontraremos el fuerte donde se refugiaba el batallón y adiestraba a los cadetes torpes para emprender la batalla de la toma de posesiones del territorio indio. Ni el galope del batallón de confederados a toque de corneta con la bandera de los Estados Unidos al viento ( de su única nación cuando los habitantes primitivos no son ellos sino los perseguidos) persiguiendo a los indios como animales. Con el fin de echar de unas tierras que son más de ellos a unos aborígenes que ya estaban allí cuando llegó Colón. Vivían de la caza, la pesca o del ganado en sus tiendas tan exóticas formadas por troncos y pieles. Todas las etnias tenían una cultura particular: sus bailes, ritos, lenguas. Con sus vestidos de pieles y sus plumas en la cabeza que los engalanaba. No hay ninguna de las imágenes míticas de Arizona del Monument Valley. Sin embargo, encontramos similitudes al Western. Aparecen indios que son diferentes: visten bien, llevan joyas y viajan en coches de lujo. Eso sí, sometidos por los blancos. Siempre con la intención del genocidio a pequeña escala por medio.La historia es real y se desarrolla años más tarde de las aventuras de conquista del Oeste ( 1920) cuando el Norte, confederados han ganado la guerra y ya ha establecido sus leyes y abolido la esclavitud en el país, pero los indios siempre al margen deben retirarse a las reservas que los blancos han establecido, a unas tierras desérticas y poco productivas. Arrinconados en Oklahoma, la raza Osage se convierte por casualidad en los habitantes más ricos del planeta gracias al liquido valioso que ocultaban esas tierras poco productivas. El petroleo les hace pasar de miserables a ricos. Lo más lamentable es que el relato es verídico, es decir, esos malvados blancos que matan al indio rico sin escrúpulos, existieron. Así lo cuenta en la obra del mismo título el autor David Grann. En ese contexto de la historia aparecen los villanos que quieren apropiarse de la riqueza.
Robert de Niro ( como ocurría en "El Padrino" con Marlon Brando) realiza tareas de salvador y buen campechano que ostenta una rancho de ganado que muestra las dos caras diferentes: una más bondadosa, pero , por la otra, malvado y demoníaco hasta el final de su vida. Él, por detrás, siempre va azuzando a los matones para que se cargue al personal.
Leonardo DiCaprio, el sobrino del anterior, que es como una marioneta accionada por su tío, ladrón y asesino con la misma doble cara del anterior, pero esconde la carta de galán enamoradizo de la india rica, interpretado por
Lily Gladstone, ciega de amor, confusa y enferma de diabetes que siempre confía en su marido pese a que se la está cargando lentamente. Además, sabe que se acerca a ella porque tiene mucha pasta. Así, se parece más a una película de gánster de mafiosos como sucedía en "Uno de los nuestros" donde el crimen y la muerte está presente si detrás hay dinero donde rascar. Por eso, la vida del indio no vale una nada y se le mata sin mayores escrúpulos. Aquí se deja a los muertos ( siempre aborígenes ricos que molestan) en medio de una charca, sin preocuparse en enterrarlos.
No existe el amor, sino heredar la riqueza a toda costa, aunque para ello se tenga que matar a su propia mujer. En definitiva, la pena de la historia es que los asesinos nunca creen que hacen el mal. Piensan que su actuación entra dentro de la normalidad. Continúan con el mismo pensamiento de sus antepasados en someter a los aborígenes porque los consideran inferiores. Por lo tanto, no hay tanto lucha de clase, sino directamente racismo puro y duro. Ya tenemos una candidata para los Oscar próximos. No eres capaz de desconectar de las imágenes. Excelente película, pero qué manía con hacer obras de tres horas y media. Sales de la sala agarrotado.
"Las nadadoras" de Sally El Hosaini cuenta el drama de dos hermanas ( historia real de Yusra y Sara Mardini, interpretado por Nathalie Issa y Manal Issa, que marchan de Damasco después de que una bomba alcanzara su domicilio. Esto sucede en 2015 y se ven obligadas a emigrar) que quieren alcanzar la gloria en los juegos olímpicos.
Son nadadoras entrenadas por su propio padre que las prepara para retos importantes, pero la situación y el lugar no es el más apropiado. Se encuentran en Siria, su país natal, con un conflicto de Guerra Civil.
El escenario es de batalla: suenan los bombazos alrededor, casas destruidas y cacheos continuados por unos militares sin humanidad y déspotas de saberse superiores con una ametralladora en la mano. Después de diferentes peripecias en su viaje hacia Alemania llegará el deseado triunfo. En fin, da la sensación de estar adornado con una cierta sensiblería, sin embargo, el hecho de tratarse de una biografía de acontecimientos reales le da un cierto empaque de veracidad.
La historia de "The quiet girl" de Colm Bairead ( Espiga de Plata del festival de Valladolid 2022 y varias nominaciones a otros festivales) se desarrolla en Irlanda del siglo pasado en el seno de una familia rural con pocos recursos y muy numerosa. Entre todos los componentes, Cait, interpretado por
Catherine Clinch, es la pequeña de nueve años que divaga escondida por el campo sin que nadie atienda a su soledad. Se trata de una niña acomplejada, solitaria y olvidada por la familia que pasa mucho de ella por parte de toda la familia. La madre está embarazada que recibe una carta sorpresa y no dudará ni un segundo en desprenderse de ella y mandarla a una casa de una familia lejana con tal de vaciar la dependencia de hijos. Esa niña vive al margen de sus hermanas que no le prestan la menor atención como si fuera invisible ni siquiera cuando se marcha a vivir con esos parientes lejanos. Allí cambia su vida drásticamente, pues el amor y las caricias son abundantes. La atención de ese matrimonio hacia ella sin hijos es exquisito. Sin embargo, el director se guarda un secreto que impregnará de sentido el comportamiento de esa pareja.
Por lo tanto, la niña pasa de la barbarie y de la despreocupación inicial hacia el lado opuesto en ese trato amoroso. Con todo ello, la niña muestra un cambio sustancial: está alegre, habla con desparpajo y se relaciona con su nueva familia con naturalidad. En cierta manera la trama tiene bastante parecido con la película "Verano 1993" de Carla Simón, aquí los padres se morían y la niña debía marchar a casa de sus tíos. En definitiva, vemos que el medio puede influir positiva o negativamente en el devenir del futuro de las personas. Así pues, el cambio de condiciones determinará el desarrollo de la niña.
